pubblicato il 5 Febbraio 2010

IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA

(Tek merr e nëng vë nëng qëndron faregjë)

di  Atanasio arch. Pizzi  con  Maria Palma dott. Tateo

Navigando su internet ho scoperto, che anche i paesi arbërëshë di Calabria Citeriore sono stati inseriti nella sezione street view, di Google Maps.

L’opportunità  di poter esaminare anche gli angoli più reconditi delle pertinenze albanesi mi ha particolarmente entusiasmato; avendo a disposizione infinite visioni prospettiche su ciò che osservo da decenni; ho dato subito inizio ad un viaggio virtuale, attraverso i paese di Provincia Citra.

Ma la finestra aperta dalla street view car, ha messo a nudo una realtà inaspettata, lasciandomi profondamente deluso, sia come Architetto ma soprattutto in quanto arbërëshë.

Prima dell’avvento di internet, le informazioni sui materiali per gli addetti ai lavori in campo Architettonico, era consuetudine ricavarle dall’Archivio Edile; una raccolta di depliant o vetrina di prodotti messi a disposizione, dei tecnici e addetti ai lavori, dall’industria del settore edilizio.

Nell’esaminare gli scenari, di street view, dei paesi arbërëshë ho avuto l’impressione di sfogliare quell’antico Archivio Edile, con la differenza sostanziale che, nel catalogo i materiali se pur diversificati, avevano un ordine metodologico; le immagini dei paesi albanofoni mi davano l’impressione di trovarmi innanzi ad una Babele, ove, i materiali più disparati sono usati in modo non oculato, spregiudicato e assolutamente leziosi.

La giustificazione, sta nel fatto che i siti di pertinenza minoritaria Italo-Albanese, sino a un decennio addietro, non erano mai stati oggetto di ricerca e studio, da parte di esperti multidisciplinari, che con certosina perizia fossero riusciti a dare un percorso metodologico chiaro, Storicamente supportato, in ambito Urbanistico e Architettonico.

L’attuale regolamentazione a tutela dei Beni Architettonici e Paesaggistici, ha unificato le disposizioni in un unico testo, contenente le linee guida per la salvaguardia dei Beni Culturali, D.L. n°42 / 2004, ma che affonda le sue radici nella carta di Atene del 1931.

Nonostante ciò, da salvaguardare è rimasto poco, solo la speranza della ricerca fisica, di sporadici esempi da incorniciare e catalogare come memoria storica, aspettando futuri più rosei, per i tanti manufatti ormai stravolti e illeggibili nelle loro tipologie edilizie

Parafrasando ”cerce homo” oserei dire “cerce l’Architettura”, poiché, stravolgendo la tipologia urbana e architettonica; lo scenario che si presenta, potrebbe essere usato come location dove il personaggio, vagando all’interno delle pertinenza minoritaria Italo-Albanese, va alla ricerca del dilapidato patrimonio architettonico.

Se le Amministrazioni locali dei paesi arbërëshë, a cui invano mi rivolgo da anni, non prendono atto dei valori che quotidianamente si vanno sempre più affievolendo e con essi la perdita del genius loci, a breve, non rimarranno altro che inutili, flebili e confuse manifestazioni folcloristiche, assieme a tante immagini, destinate a perdere il loro misero valore.

Attualmente le opportunità economiche delle Amministrazioni locali si sono ridotte notevolmente rispetto al passato, ma la funzione di controllo non deve lasciare spazio a futuristici scenari che non ci appartengono.

Rimangono i privati a cui rivolgere l’attenzione, i quali sino ad oggi, o per successioni ereditarie o nel tentativo di tenere in vita i luoghi della loro infanzia, conservano ancora validi esempi di architettura minoritaria; che racchiudono, in essi, metodologie di edificazione, non travolte dai processi di inconsapevole manomissione.

Ormai bisogna rivolgere l’invito, a tutti coloro che a breve o medio termine, intendano recuperare o dare vita a questi pochi esempi di architettura arbërëshë, ancora intatti.

Con l’auspicio che mirate e intelligenti scelte, siano inoltrate, nei confronti di chi conosca le discipline del Restauro e della Conservazione, senza perseguire lo scopo del mero risultato “dell’abbellimento”, divenuto pericolosamente di uso Comune.

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pubblicato il 28 gennaio 2010

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pubblicato il 28 gennaio 2010

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pubblicato il 28 gennaio 2010

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pubblicato il 28 gennaio 2010

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pubblicato il 17 gennaio 2010

Një herë ish një shpi

(Palazzo Rizzuti)

di Atanasio Pizzi (Architetto)

Collocato nella parte bassa di Santa Sofia d'Epiro, Palazzo Rizzuti ricade in quell’insula che affaccia nella cavea naturale detta dei Becci, oggi Largo Botzaris.

Integrato e riattato secondo i canoni dei palazzi nobiliari di fine 1800, fa parte

della tipologia edilizia che da dimora con scale e passetto, (loggetta) innanzi

all’ingresso,fu trasformata in abitazione più rappresentativa con il caratteristico

portale d’ingresso in pietra.

Il manufatto contiene nel suo prospetto principale, gli elementi architettonici

tipici delle fabbriche signorili di quel periodo.

Perimetrato da fasce di intonaco a rilievo è coronato dal cornicione in duplice ordine di tegole in un continuo di malta a base di sabbia e calce, sovrastato dalla copertura in coppi e contro coppi con pendenze a padiglione.

cavea naturale detta dei Becci, Agosto 2002

adagiati su una soglia costituita da tre moduli in pietra i due zoccoli di base che definiscono la luce del varco; i due zoccoli, lavorati con volute a decrescere sono sormontati dai piedritti al di sopra dei quali poggiano i due peducci arricchiti con volute, questi ultimi accolgono i quattro conci dell’arco reso solidale dalla chiave di volta recante un decoro a rilievo.

L’infisso in legno a doppio battente era realizzato in essenza di castagno e

sormontato da una grata in ferro battuto, la forma, a ventaglio, era descritta

all’interno dell’arco del portale adornata da volute e le iniziali di famiglia.

Una coppia di finestre di forma quadrangolare erano allocate ai fianchi del

portale d’ingresso, a garanzia della inviolabilità di questi due varchi, erano

infisse nella sezione muraria robuste inferriate e solidi infissi, in legno di

castagno ad un battente, garantivano la tenuta termica, (quella di sinistra

risultava murata perché all’interno del locale in quell’angolo vi era allocato il

forno).

Al primo livello in asse con il portale d’ingresso faceva bella mostra il balcone

di rappresentanza, elegantemente dimensionato nei rapporti metrici, il quale si

presentava coronato da una cornice di intonaco a rilievo che si innestava

sull’aggetto in pietra calcare del calpestio, decorato per tutto lo sviluppo

lineare; l’affaccio era assicurato da una ringhiera in ferro battuto che seguiva

l’andamento della soglia aggettante.

L’infisso in essenze di castagno a due battenti, era oscurato nella parte

inferiore, mentre nella parte superiore vetrate assicuravano la giusta

illuminazione nell’ambiente retrostante; due sportelli in castagno garantivano

la tenuta termica e l’oscuramento notturno relativamente alla superficie vetrata.

In asse con la linea ideale del portale e del balcone in corrispondenza del

cornicione di tegole era collocata una finestra di modeste dimensioni, che

assicurava la giusta ventilazione della copertura nel periodo estivo e durante

quello invernale la ostacolava mediante la chiusura di un infisso vetrato.

Il prospetto appena descritto, nella sua semplicità era ben inserito nel contesto

della cavea naturale dei Becci senza incidere sulla quinta e in quel equilibrio di

luci ed ombre che da sempre la aveva caratterizzata.

La quinta di palazzo Rizzuti, mi auguro sia la chiusura di un ciclo che da

decenni stravolge Largo Botzaris, infatti analizzando nello specifico le quinte

che ricadono all’interno della cavea, emerge palesemente la perdita di valore

etno-architettonico di quel sito.

Nello specifico caso preso in analisi, ciò che colpisce è che le più elementari

linee guida nel campo del recupero e del restauro non sono prese in

considerazione, nel vano tentativo di ridare vita ad un manufatto; nei fatti:

• Sostituzione della soglia d’ingresso, invece di integrare quella esistente.

• Sostituzione totale dell’infisso del portale senza tenere alcun conto delle

linee di inviluppo o provare ad integrare le parti mancanti del vecchio.

• La totale rimozione del ventaglio in ferro all’interno dell’arco, assieme

alla grata della finestra a piano terra.

• La totale rimozione della sagoma di uno degli infissi quadrati, che

caratterizzavano il prospetto a piano terra, eppure in passato il segno era

stato conservato.

• Modifica dimensionale della fascia di coronamento di finestre e balconi.

• Modificazione dimensionale del balcone di rappresentanza.

• Sostituzione totale del’aggetto del balcone in pietra calcarea con un

getto di conglomerato cementizio.

• Modificazione della quota del balcone rispetto al portale in pietra.

• Modificando le fasce di coronamento, la ringhiera e l’aggetto del

balcone, avvolgono l’insieme che risulta sottodimensionato.

• Nella sostituzione del tetto, non è stata adeguatamente scelto un sistema

per non ricorrere alle orrende grondaie con le relative discendenti.

• Elemento non meno importante è l’apposizione dei cromatismi scelti,

analizzando nei meriti il sito di Santa Sofia d’Epiro non vi è nulla per il

quale la scelta fatta li potesse indicare.

Se osservando solamente il prospetto su Largo Botzaris, emergono tali e tante

disattenzioni, quali e quante altre in questo edificio, è legittimo chiedersi, siano

state messe in atto nello sviluppo del progetto Architettonico e Strutturale?

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pubblicato il 19 dicembre 2009

“Ti amerò fino ad addormentarmi nel rosso del tuo meriggio”

In una storia di destini tra profezia, sensualità e nostalgie

È il romanzo di un amore in versi. La poesia che si intreccia in una storia d’amore profonda che ha atmosfere magiche sul filo di un gioco in cui l’attesa e la profezia diventano modelli profetici in una duplice contesa tra lettura sciamanica e viaggio religioso. 

Si tratta del nuovo libro di Pierfranco Bruni dal titolo: “Ti amerò fino ad addormentarmi nel rosso del tuo meriggio”, in questi giorni in libreria.

Un romanzo d’amore in versi attraverso 40 capitoli che spaziano tra doloranti fughe e profetiche nostalgie.

L’amore, in questo nuovo libro di Pierfranco Bruni, è un raccordare la quotidianità tra una sfuggente donna che appare, scompare, riappare e si fa orizzonte in una metafora costante che è il mare nell’universalità e nella personalizzazione del sentimento di viaggio e un io “narrante” che si trova costantemente in un dissidio tra ricerca e pienezza, tra una forte diaspora e una voce interiore che richiama i cammini degli antichi sciamani.

Il conflitto  si vive nelle parole, nel verso, nella poesia come completezza e incompiutezza, nello stesso contesto, di una meditazione in cui si verifica uno scontro lacerante tra il tempo che recita i passi dell’amore e quel tempo che segna il passaggio delle stagioni.

Ci sono capitoli (o poemetti) lacerati da un dolore che non è apparenza stilistica o scenario lirico ma restano piuttosto una avventura tra il tentativo di ricucire un atto quasi sacrale, qual è l’amore nella sacralità dell’incontro, e uno sguardo proiettato verso la dimensione dell’onirico che rimanda ad una cultura dell’alchimia, della magia, del mistero tra mito, nostalgia e coerente ulissismo.

È un libro, questo di Bruni, che si pone fuori dal laico concetto di poesia e di amore perché insiste su due coordinate: l’amore come eros, come passione, come fisicità e l’amore come rivelazione, come illuminazione e come destino. Un vero e proprio “cantico dei cantici”, in una esplosione quasi di sortilegi che hanno radici sia nella profezia che nel concetto di provvidenza.

Una religiosità compatta in una amore fuori dalle convenzioni e dalle regole ma l’amore si racconta proprio per una selvaggia e mitica coincidenza di sensi e di intermittenze sentimentali. Fa da sfondo la dimensione della memoria che raccoglie il vissuto non in una visione romantica e tanto meno in un atteggiamento di rimpianto. Mai affiora il concetto di peccato. Anzi emerge che l’amore, tra eros e contemplazione, non tocca mai le corde del peccato.

Tante sono le immagini proiettate nello specchio delle emozioni e sono queste emozioni che fanno di “Ti amerò fino ad addormentarmi nel rosso del tuo meriggio” un romanzo nel quale la poesia si articola in poemetti e il narrato ha sempre un filo conduttore  dettato dal concetto che soltanto l’amore è bellezza e che la bellezza ha il compito di salvarci.

Una lezione che emerge sia da San Paolo che da Dostoeviskij ma anche dai canti Navajo che recitano le loro avventure attraverso la voce della pioggia in una inarrestabile danza. Una abbinata coraggiosa che rende questo romanzo in versi di Bruni affascinante ed è tutto giocato in un contrasto di sguardi, di interpretazioni, di un mosaico che riesce a custodire i ricordi con la tensione mai dei presente e sempre della speranza, del futuro, di ciò che accadrà. C’è, in realtà, tutto  il percorso onirico del viaggio di Pierfranco Bruni nell’oscillare tra linguaggio poetico e una potente visione sciamanica della vita..

L’io narrante sembra ascoltare gli echi e leggere i segni in una trascrizione che è fuori ogni tessuto di realtà perché la realtà, in questo libro, non c’è, come non c’è una verità ma soltanto un bisogno di capire le distanze, le lontananze, i distacchi. L’io narrante è come se restasse a guardare il mare e l’orizzonte e si trova, invece, ad osservare un falò non completamente spento e intorno a questo falò custodisce segreti che affida al vento e ai tramonti.

Fortemente lirico, nella conta dei giorni l’incontro tra poesia, magia e mistero traccia non solo il profilo di una storia d’amore ma anche le nostalgie di un io narrante che vive con distacco il tutto, compreso il senso meditativo sulla morte, tranne che la passione nell’amore e l’amore nella passione.

In questo io narrante, tracciato da Pierfranco Bruni, c’è l’incontro con una donna  straordinaria un po’ strega, un po’ magicamente predestinata, a volte marcatamente misteriosa ma sicuramente legata alla religiosità di un tempo mai completamente inafferrabile.

Un libro che raccoglie i dubbi, la provvisorietà, i simboli in un linguaggio originale mai scontato. Un romanzo d’amore in versi. Una storia d’amore in versi in uno scavo coraggioso dove il rischio della parola vale il rischio dell’esistenza.

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pubblicato il 3 dicembre 2009

A come Architettura (Arbëreshe?)

di  Atanasio arch. Pizzi e Maria Palma dott.Tateo

La Legge 482/99 sulla tutela delle minoranze etnico-linguistiche, dopo un decennio di applicazione, ha sicuramente messo in risalto i valori culturali delle comunità, facendo emergere al tempo stesso dei limiti in essa contenuti per cui andrebbe sicuramente rivista, nella sua struttura riscrivendola alla luce delle esperienze acquisite.

E’ importante riconsiderare il fatto che le nostre, mi riferisco agli arbëreshe di Calabria Citra, non sono minoranze ma “presenze” minoritarie; infatti si definiscono lingue minoritarie, quelle tramandate da una generazione all'altra, solitamente accanto alla lingua o alle lingue ufficiali dello Stato, elemento, questo di non irrilevante importanza che diversifica la questione sotto l’aspetto politico, giuridico e culturale.

Gli Sportelli Linguistici, nati per informare e divulgare gli aspetti caratterizzanti le comunità sono da subito apparsi limitati e il più delle volte con personale poco motivato o senza adeguata preparazione e quindi non hanno risposto in modo adeguato alle tematiche di cui si erano fatto carico, pertanto il personale andrebbe adeguatamente formato e messo in condizioni per svolgere meglio la loro funzione.

Una tematica completamente evasa dalla legge, se non nella enunciazione, è quello relativo agli aspetto urbanistici ed architettonici, mai valorizzati e difesi in nessun senso, infatti è in atto un decadimento diffuso dei centri storici arbëreshe tale da renderli irriconoscibili.

Le comunità minoritarie hanno espresso il loro patrimonio culturale in contesti urbanistici ed architettonici che hanno consentito lo svolgersi degli eventi; grazie ai quali è possibile leggere le modificazioni temporali con conseguente rilettura della storia degli arbëreshe; ad esempio i sistemi aggregativi, che si attuavano con sistemi ad asse unico, di tipo complesso nel primo periodo e in un secondo momento ad asse simmetrico, aiutano a delineare l’evoluzione economica e sociale delle comunità.

Occorre studiare e quindi analizzare il rapporto con il territorio nel quale hanno trovato dimora i nostri avi, le dinamiche che hanno determinato il loro insediamento, il momento storico, politico, economico e geografico di quella determinata regione.

Se l’incontro tra le diverse civiltà ha prodotto la nascita di nuovi modelli nel corso dei secoli, viene spontaneo chiedersi in che misura l’evoluzione ha modificato la vita degli arbëreshe con il loro bagaglio consuetudinario trascritto nel Kanun.

Nonostante i paesi d’arberia abbiano subìto devastanti terremoti, dovuti all’orografia e alla conformazione geologica del territorio, le loro genti hanno sempre saputo ricostruire con sapienza e metodo adeguandosi alle risorse di quei tempi.

Oggi non si può rimanere indifferenti alla trasformazione di dimore storiche in semplici unità abitative popolari, di vecchie sorgenti in anfiteatri, allo sventramento di centri storici, alla costruzione di centri sportivi a ridosso di conventi testimoni degli eventi che hanno portato all’unità d’Italia; all’apposizione su scenari naturalistici di variopinti centri culturali frutto di pseudo modelli innovativi, tutto ciò definibile più catastrofico dei terremoti del passato.

Le manomissioni ancora in atto, oltre a far perdere il valore storico ai manufatti ed ai contesti dove essi si trovano collocati, li spogliano della loro identità culturale, per cui sarebbe auspicabile dare risalto alle emergenze architettoniche nella eventuale riscrittura della legge 482 e realizzare opportune convenzioni con gli ordini professionali e le Soprintendenze per tutelare e salvaguardare in modo appropriato i nostri centri storici.

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pubblicato il 2 novembre 2009

Illuminante e maledetta poesia

Alda Merini dentro il segno della Passione

 di Pierfranco Bruni

 Il tempo è un assoluto che si intreccia nella misura delle parole e nelle parole che recitano la metafora dell’imprigionamento della vita e della morte. È come se fosse sempre una assenza a far da labirinto dentro la nostra anima e questo labirinto trova la sua compostezza nella consapevolezza proprio di essere labirinto.

Così la poesia che si recita nelle maglie dell’insoluto. Come per dire, o come per dirsi, che tutto si è perduto, tutto si perde o tutto si perderà tra gli scogli dell’indefinibile. Così è la poesia di Alda Merini (Milano  21 marzo 1931 – 1 novembre 2009).

Una poesia che non chiede, come la poesia che è impenetrabile e indifendibile nelle “giustificazioni”, di viversi nelle spiegazioni, nei commenti, nelle delucidazioni ma è completamente intrisa di illuminazioni. La poesia come illuminante attesa di ciò che verrà vivendo il vissuto. Un tracciato oltre ogni dimensione della storia. Questa maledetta storia che cerca di penetrare le parole.

La storia non vuole riconoscere la pazzia della poesia perché  chiede costantemente di dare un senso alla vita che è stata. Ma quale storia può raccontarsi nelle illuminazioni di una poetica dell’amore, della passione, della sconfitta, della perdizione, della resurrezione, del “Magnificat” di Alda Merini? Può esserci storia. È come se chiedessimo al mistero del poetico di trasformarsi in ragione. È come se chiedessimo all’amore o meglio agli amanti di parlarsi e di definirsi attraverso la razionalità dei fatti e non attraverso la magia dell’incanto.

Alda Merini è stata, nell’intreccio delle fantasie, una voce – destino di un Novecento letterario non solo inquieto e assorbente in un “vortice” di sciagurata pietà ma è l’indice di una follia d’amore che ha contemplato le tristezze e le doloranti incertezze in un verso in cui, nonostante l’agonia e l’angoscia, l’ironia tragica ha fatto da scenario.

C’è uno scenario anche nella poesia dell’esistenza che non è l’esistenza stessa ma la maledizione come dettato lirico di una rimbaoudiana avversione al tutto scontato. La poesia non è nel tutto scontato. Quella che recita la tensione della morte nella vita e fa dare al verso quest’immagine: “Ho acceso un falò/nelle mie notti di luna/per richiamare gli ospiti/come fanno le prostitute/ai bordi di certe strade,/ma nessuno si è fermato a guardare/e il mio falò si è spento”. Sono versi che risalgono al 1984 e appartengono alla raccolta “La Terra Santa”. Ma tutto il viaggio di Alda Merini è un andare alla ricerca di una terra promessa. Un recitativo poetico che conosce la possibilità degli approdi ma spesso dimentica l’infaticabilità delle partenze.

Ci sono partenze nella sua poesia? Ci sono arrivi nella sua disperante voce e nei suoi occhi di fede sgusciata dalle conchiglie di primavera? Non credo che ci sono, oggi che si dovrebbe parlare con il passato tra i battiti delle dita. Non credo che mai ci saranno. Sono convinto che mai ci sono stati. I suoi amori trepidanti sempre in squarci di passione.

Giorgio, Salvatore, Michele, Paolo… Che orizzonte possono avere i nomi nella vita tragica di un poeta? Che orizzonti possono avere gli amori quando smettono di essere amore? Gli amori nel segno di una scavata nostalgia restano come “una pioggia spenta”. Già, è così. “Adesso sono una pioggia spenta/dopo che l’orma del tuo cammino/si è fermata ai miei occhi./Che ciglio devastante il tuo!/Come mi penetri le ossa!/Se piangessi, tu verresti a riprendermi./Ma io ho bisogno del mio dolore/per poterti capire” (da “La volpe e il sipario”). Ma quale dolore si è scontato nella vita di Alda Merini? Quello chiaramente della passione o delle passioni. Bisogna andare dentro le parole non per capirle ma per tentare di catturarle.

So. Ci sono diversi modi per accostarsi ad un poeta ma da poeta come si può pensare di proporre una contestualizzazione o una pur minima impostazione strutturale o storicista di un poeta. Credo che il dato più serio è quello di definirsi in un confronto. Accostarsi alla poesia non è fare storia della poesia. È ascoltare i passi della poesia in una lettura che è sempre respiro d’anima.

Certo. Alda Merini è il destino poetico di un Novecento poetico italiano intrigante che va da Cristina Campo ad Antonia Pozzi, da Sibilla Aleramo ad Amalia Rosselli. Una vita dentro la parola passando con quegli echi al maschile che vanno da Dino Campana a Vincenzo Cardarelli, da Carlo Michelstadter a Cesare Pavese. La dannazione della poesia che è religiosità flebile nel nome di una cristianità raggiunta e infuocata come un fuoco grande e mai fatuo.

Maledetta poesia che naviga nei cuori forti che sanno della consapevolezza della vita. Il poeta conosce il crepuscolo prima dell’alba. Non c’è una Venere Alata a far da luce. Tutto è una finzione. Persino la finzione si inventa il poeta. Pur di non vivere nella vita ma di morire vivendo la vita. Come stregati. Ma il poeta è uno stregone e la poesia è una strega.

Da “Titano amori intorno” nei versi di “Non voglio dimenticarti, amore”: “La strega segreta che ci ha guardato/ha carpito la nudità del terrore,/quella che prende tutti gli amanti/raccolti dentro un’ascia di ricordi”. Si può vivere al di fuori di questa ascia di ricordi? Aprirsi alle attese proprio mentre queste attese si fanno rivelazione.

Il passo verso la Croce, il suo colloquiare con Maria, con Cristo, il suo “Magnificat” non tracciano più passioni ma sono il tempo della Passione dentro il quale la poesia di Alda Merini si è raccolta, si raccoglie, continuerà ad affascinare dalla “casa” dei maledetti che con i loro occhi sanno penetrare le nebbie, le nuvole, le ombre e osservano il vento nel tagliare il filo dell’orizzonte che separa o che unisce, nella pazienza, le solitudini, i sogni, le lontananze.

Essere dentro il sogno della Passione è varcare la soglia restando nella speranza. Così nella poesia di Alda Merini.

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pubblicato il 23 ottobre 2009

Oriana Fallaci nell’Ottantesimo della nascita

e a tre anni dalla morte.

Una scrittrice sui confini dei Mediterranei

di Pierfranco Bruni

Ottant’anni fa nasceva Oriani Fallaci, nel 1929. Moriva il 15 settembre di tre anni fa, 2006. Non solo una giornalista ma una scrittrice che ha penetrato i sentieri delle parole attraversando luoghi e vivendo avventure e destini. Non può che stare con orgoglio e senza pregiudizi nella storia della letteratura italiana del Novecento.

Una scrittrice che ha saputo raccontare la nostra contemporaneità tra le tragedie della modernità. Passare per le parole e giungere al limitare degli orizzonti. Quegli orizzonti, che per la Fallaci, segnano il confine tra l’Occidente e il Mediterraneo.

 Il deserto, forse l’esilio e le donne che sembrano impastate da intreccio che recita rivoluzione e senso di una assenza. Passate le parole restano le immagini e le immagini fanno la storia, la storia di una visione della vita e dello spazio nel quale si abita la nostra esistenza. Ma forse più della rivoluzione può la consapevolezza di vivere dentro una temperie fatta di scontri, di guerre, di viaggi tra il mare, il deserto, le sabbie, le frontiere, le trincee e gli amori spezzati proprio nel momento in cui si affollano le comprensioni o le interpretazioni dei destini.

Una storia. Certo, quella di Oriana Fallaci che non ha mai conosciuto rinunce ma è stata dentro quegli orizzonti tra Occidente e Oriente. Una metà di un Mediterraneo che è dentro in ognuno di noi.

Una giornalista che è entrata nella letteratura. Anzi una scrittrice che ha “fisicamente” e letterariamente “cucinato” il linguaggio giornalistico con quello di una scrittura rapida, in cui il narrato, il vissuto, il sofferto, il visto si è trasformato nelle lunghe sfide che hanno abbracciato la vita trasformandola in un destino proprio sul filo della letteratura. Anche le sue interviste hanno raccontato, anche le sue interviste hanno fatto storia, anche le sue interviste sono il narrato di un pezzo di esistenza non solo di Oriana Fallaci ma di un contesto che è quello di una civiltà che si è giocata la propria eredità ed identità tra i rossi tramonti abbruniti degli spari tra le trincee dove gli uomini muoiono veramente e i popoli si sradicano e la ricerca di una affermazione di umanità.

 L’Occidente con gli Stati Uniti d’America sono stati il perno di una formazione culturale dentro la quale la controrivoluzionaria Fallaci ha definito la sua non stanzialità e il suo nomadismo legati ad un bisogno di sapere e di conoscere. Nel 1969 pubblica la sua esperienza di un anno di guerra in Vietnam in un libro dal titolo: “Niente è così sia”. Ma sono gli anni di una contestazione non solo studentesca ma esistenziale. La Fallaci, come Pasolini, guarda con sospetto i figli di papà che inneggiano a  Che Guevara e crede ben poco alla risoluzione di quelle piazze occupate in Italia o in Francia. Sembra tutto ben poca cosa rispetto a ciò che avviene in India, in Pakistan, in Sud America, in Medio Oriente.

 C’è un Occidente, in quegli anni, che esplora con l’Apollo 12 la luna e un Medio Oriente in costante conflitto. La Fallaci non vuole restare soltanto una testimone dei fatti che raccontano sempre mosaici di vita. Il suo rapporto con Alekos Panagulis, conosciuto, in Grecia, il 21 agosto del 1973 è uno dei tasselli importanti, straordinari, unici sia per il suo cammino letterario sia soprattutto per quello intimo, sentimentale, esistenziale. L’incontro tra i due avviene proprio nel giorno in cui Panagulis esce dal carcere. Un incontro che diventa una unione di passione e di condivisioni. Il loro rapporto dura soltanto tre anni, perché Panagulis muore in un misterioso incidente stradale il 1 maggio del 1976.

Una storia, dunque, che racconta la Grecia dei colonnelli e la vita di Un uomo.

 Il suo romanzo del 1979 ha per titolo, appunto, “Un uomo”. La stessa Fallaci parlando di questo libro, in una intervista, dirà: “Un libro sulla solitudine dell’individuo che rifiuta d’essere catalogato, schematizzato, incasellato dalle mode, dalle ideologie, dalle società, dal Potere. Un libro sulla tragedia del poeta che non vuol essere e non è un uomo – massa, strumento di coloro che comandano, di coloro che promettono, di coloro che spaventano…”. Un romanzo nella grecità profonda e moderna come era stato il suo primo romanzo del 1962 dal titolo: “Penelope alla guerra”, nel quale si racconta la storia di una donna che non vuole attendere il suo Ulisse e si metaforizza in una Penelope che viaggia e lascia le mura di Itaca per penetrare il senso di una identità in una ricerca verso le libertà come valore di una consapevolezza.

 Anche qui si registra uno scontro diretto con le eredità mediterranee alle quali la Fallaci si oppone con una forza umana tutta occidentale e scavata nel proprio tempo senza cedere a nostalgie o rimpianti che risultano come misure della storia. Due tappe fondamentali nella scrittrice Fallaci sino ad arrivare agli anni Novanta, passando attraverso le storie e la storia e soprattutto nel tanto discusso e non ipocrita “Lettera ad un bambino mai nato” che oggi si presenta come un atto quasi profetico se si pensa che la prima edizione vide la luce nel 1975, che vengono caratterizzati dall’imponente romanzo “Insciallah”, pubblicato nel 1990.

 Il romanzo – saggio nasce all’interno di una “sua spedizione” tra le truppe italiane che erano state inviate nel 1983 a Beirut. Un racconto affascinante tragico, dolorante e contemplante ma anche irruente. “Non di rado infatti sfuggo all’esilio delle scartoffie e non osservato osservo. Ascolto, spio, rubo alla realtà. Poi la correggo, la realtà, la reinvesto, la ricreo, e con l’amletico scudiero ecco il discepolo generale che crede di poter sconfiggere la Morte, ecco il suo disincanto ed estroso consigliere, ecco il suo erudito e bizzarro capo di Stato Maggiore, ecco i suoi ufficiali ora bellicosi e ora mansueti, ecco la moltitudine sfaccettata della sua truppa…” (Da una lettera del Professore, nel testo).

Un filo consistente lega  “Insciallah” con gli scritti successivi. Un Medio Oriente che è sempre più terra di deserti, di scontri, di viaggi nella tragedia e un Occidente che si affaccia sia geograficamente che culturalmente ad un Mediterraneo fatto di tanti altri Mediterranei che si raccontano nelle loro avventure e nei loro ambigui territori: alla ricerca di una cristianità profonda e di un fondamentalismo islamico che approderà alla tragedia dell’11 settembre.

 Cosa sono, in fondo, gli ultimi suoi libri: “La forza della ragione”,  “La rabbia e l’orgoglio” e “L’Apocalisse” che racchiude anche “Oriana Fallaci intervista se stessa”? Sono un superamento culturale sia della storia e identità musulmana sia delle eredità mediterranee. Il tutto nell’orgoglio di un Occidente che dovrebbe però smettere di tessere e ritessere quella  tela metaforica e reale incarnata da Penelope. Ormai Penelope è andata alla guerra. L’orizzonte di sabbia e di deserto, di mare e di acqua e le contraddizioni delle metropoli e di un Occidente sempre più americanizzato sono in costante conflitto.

La Fallaci ci invita ad una scelta. Il Mediterraneo resta un orizzonte nella storia ma anche nelle pretese del futuro, il Medio Oriente è un islamismo che invade e l’Occidente della civiltà moderna  non può che essere nella nostra contemporaneità. Ma c’è una storia che si trasforma in memoria e c’è un uomo che è dentro la vita di Oriana che non smette di parlare come un eroe nella bellezza delle parole, di quelle parole che per restare non possono che essere  passione. La passione della scrittura.

La passione della parola in una scrittrice tra confini. L’Oriente e l’Occidente. E le donne che restano impastate nella sabbia del deserto e nelle piramidi delle vetrate dei grattacieli occidentali. Una storia dalla quale raccogliere un seme.

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pubblicato il 16 ottobre 2009

Cultura albanese e cultura arberesh
Una nuova ricerca per meglio comprendere l’appartenenza ad un territorio

di Micol Bruni

Minoranze e territorio. Ovvero rapporto tra popoli altri e appartenenza ad una cultura, che caratterizza i luoghi, i costumi e le tradizioni di mondi lontani. In Italia le culture altre sono tutelate dalla L. n. 482 / '99 che detta le norme in materia di tutela delle minoranze linguistiche storiche.
L’articolo 2 di tale legge specifica le presenze minoritarie in essa tutelate anche se tali presenze, dal punto di vista della realtà antropologica e in una dimensione geopolitica che insistono sul territorio, sono molte di più.
      A norma dell’articolo 2 si legge : “In attuazione dell’articolo 6 della Costituzione e in armonia con i principi generali stabiliti dagli organismi europei e internazionali, la Repubblica tutela la lingua e la cultura delle popolazioni albanesi, catalane, germaniche, greche, slovene e croate e di quelle parlanti il francese, il franco – provenzale, il friulano, il ladino, l’occitano e il sardo”.
      È necessario, per tutelare una minoranza partire da un dato di sicuro spessore che è quello giuridico. Perché tutelare non significa necessariamente e unicamente promozione culturale delle tradizioni di queste realtà, ma deve portare alla luce, attraverso l’analisi dei testi e le ricerche storiche, alla nascita di tali culture e alla loro integrazione nel territorio italiano. Pertanto, sarebbe interessante analizzare  le singole minoranze all’interno di un territorio storico, antropologico e giuridico.
    Gli Arbereshe, cioè gli Italo – albanesi , in questo caso specifico,  hanno una particolare singolarità che si è sviluppata nei vari percorsi storici. Gli Arbereshe sono una delle minoranze che ha una forza culturale e giuridica notevole. Essi sono presenti sul territorio nazionale in numero maggiore rispetto alle altre realtà minoritarie e sono  l’unico popolo che ha vissuto la diaspora come fenomeno caratterizzante. Si pensi alle regioni coinvolte. La Calabria, la Puglia, la Basilicata, la Sicilia, il Molise, la Campania e l’Abruzzo. In Calabria inoltre le comunità italo- albanesi ammontano a 33 paesi. Bisogna cercare di analizzare la storia di queste minoranze linguistiche, gli arbereshe, non soltanto da un punto di vista culturale o attraverso le comunità presenti in Italia. Bisogna partire da più lontano. Ovvero da quando gli arbereshe erano ancora albanesi. Cioè dal loro arrivo in Italia in seguito alla morte del condottiero e loro eroe Giorgio Castriota Scanderbeg, avvenuta nel 1468.
      Una ricerca che parte dalla analisi delle tradizioni e delle origini permetterebbe, di comprendere meglio le ragioni storiche e giuridiche della presenza di queste realtà minoritarie in Italia.
      Questa operazione è possibile, nel caso degli arbereshe,  attraverso lo studio del Kanun. Se si consulta un dizionario di lingua albanese si legge che per Kanun si intende statuto, regolamento legge. “Il Kanun è un alegge che è stata raccolta come i chicchi di grano in questa grande povertà” (Ndrek Pjetri).
         
      In particolare mi riferisco al Kanun di Lek Dukagjini diffuso nella montagna della Malesi e Madhe, nella regione del Dukagjini, in quella di Tropoje e in tutto l’arco delle montagne al confine con l’attuale Kosovo.
      Naturalmente oggi il Kanun non è più in vigore ma attraverso la sua rilettura si può comprendere quella che era la tradizione giuridica degli albanesi per meglio capire quella che è la storia e l’integrazione dei paesi oggi ancora arbereshe. In un’opera dal titolo Kanun le basi morali e giuridiche della società albanese  ( Besa Editore) la studiosa Patrizia Resta afferma che “la consuetudine è stata acquisita dal popolo albanese come norma (…) pur essendo raccolta di tradizioni va considerato anche come codice consuetudinario (…) pur modificati, alcune valori in esso contenuti costituiscono il nocciolo duro della identità albanese, sotto altre forme …sono parzialmente accreditabili ancora oggi”.
      Bisogna ricordare che tale codice è una raccolta di leggi consuetudinarie che si sono tramandate per secoli oralmente, un po’ come avviene oggi per le tradizioni arbereshe. Bisogna precisare, che a causa della frammentazione delle valli del territorio albanese e delle difficoltà di comunicazione che vi erano nel territorio ci furono e si diffusero diversi Kanun anche se solo a partire dal 1912 un padre francescano Stefano Costantino Gjecov (Kosovo, 1874 – 1929) si preoccupò di raccogliere tali norme e cominciò a pubblicare in parte questa raccolta.  Si ritiene che quello di Lek Dukagjini sia il codice più attendibile anche perchè i vari codici risultano omologhi tra loro sia  in seguito “all'articolazione del territorio, sia alle modalità della trasmissione del testo “ (Martelli, Capire l'Albania). Dopo la sua morte, nel 1933, i padri della provincia francescana d’Albania decisero di riunire l’opera. Ma perché il kanun è detto kanun di Lek Dukagjini ( in origine Kanun delle Valli della Mirdizia e del Massiccio del Dukagjin, attualmenti distretti di PuKe e di Mirdite)? Secondo fonti letterarie la prima opera di raccolta fu realizzata dal principe Alessandro Dukagjini detto, appunto, Lek intorno alla metà del 1400. Lek Dukagjini viene considerato un eroe della tradizione albanese. La storia racconta, addirittura che venne scomunicato da Paolo II nel 1464 proprio per la crudeltà del codice che non si ispirava ai principi cristiani nonostante ancora oggi in Albania viene considerato “Parola di Dio”. 

Quindi è facile comprendere come in realtà tra questi due mondi ci sia uno scontro primordiale. Gli albanesi vedono nel Kanun la parola di Dio, come dicevo, ma mi chiedo se oggi gli arbereshe, che hanno radici si albanesi ma che sono italiani e vivono in un paese cristiano cattolico, possono condividere quelle norme e quanto della loro identità proviene da un mondo musulmano orientale che oggi si scontra con l’occidente cristiano che, come si legge nell’opera di Cavanna, Storia del diritto moderno in Europa. Le fonti e il pensiero giuridico. Vol.2, “…ha una certezza elementare, la certezza fondamentale del cristianesimo : l’idea del primato dello spirito umano”.
            Si vuole però precisare che a nord “era in vigore il Kanun delle Montagne (Kanun i maleve), detto anche Kanun delle Grandi Montagne (Kanun i Malesise se Madhe), presso le tribù di Kastrati, Hoti, Gruda, Klemendi, Kuc, Krasniqi, Gashi e Bytyci, e applicato nelle zone fra il lago di Scutari a Occidente e le alture di di Gjacova (...) a Oriente (...).
           “ A Sud trovava applicazione il kanun di Scanderbeg (Kanun i Skenderbeut), detto anche Kanun dell'Arberia ( Kanun i Arberise) diffuso nelle zone legate alla famiglia  Castriota , nelle regioni di Dibra, Kruja, kurbin e Martanesh (attuali distretti di Diber, Mat, Kruje Kurbin, Tirane), cidificato negli anni Sessanta del seclo scorso da Frano Ilia.
        “ Nei territori toschi si applicava il kanun della Laberise, trascritto di recente da Ismet Elezi, giurista dell'Università di Tirana, diffuso nelle zone costiere di Valona, nel massiccio del kurvelesh, di Himara, fini al 'territorio dei tre ponti', cioè alle città di Drashovica, Tepelena e Kalasa, al confine con la Tessaglia (attuali distretti di Vlore, Vlore è il nome albanesee di valona. Gjirokaster, quello di Argirocastro, tepelene, gjirokaster e sarande).
          “ Il kanun della Laberise è attribuito a un leggendario personaggio, il sacerdote papa Zhuli, fondatore del villaggio di Zhulat intorno al 1481 presso argirocastro. pertanto è anche conosciuto come kanun di papa Zhuli (Kanun i Papa Zhuli ) (Elezi I, 2002)” ( A.A. V.V., Cultura giuridica arbereshe e croata fra conservazione della tradizione e formazione di una nuova consuetudine, Regione Molise, Assessorato alla cultura, 2006, pagg. 39-40)
      Il Kanun oggi rappresenta quella tradizione albanese che apparteneva a Lek Dukagjini e al suo popolo e che padre Gjiecov è riuscito a dotarlo di veste giuridica. Capire oggi molte delle identità arbereshe significa rileggere il Kanun e scoprire quali di quegli elementi che oggi identifichiamo nel popolo arbereshe erano e appartenevano alla cultura albanese.
     Il testo, del Kanun di Lek Dukagjni, è composto da libri che a loro volta sono suddivisi in articoli. I libri che lo compongono sono dodici. La Chiesa, la Famiglia, il Matrimonio, la Casa, il Bestiame ed i poderi, il Lavoro, Prestazioni e Donazioni, la Parola, l’Onore, i Danni, i Delitti infamanti, il Codice giudiziario, Privilegi ed esenzioni.
      Ad una prima lettura si possono notare subito degli elementi che oggi rimangono nella etnia arbereshe. Innanzitutto il rito del matrimonio e della preparazione dello stesso, soprattutto, in quei paesi che hanno mantenuto il rito greco-ortodosso, rimanda  alle tradizioni che vengono menzionate nel codice albanese. E questo è  un dato importante, perché ci fa comprendere come  la lingua e la religione siano elementi che fanno comprendere che la cultura arbereshe non è  una cultura che viene poi da così lontano.  Se si leggono i libri settimo e ottavo dedicati all’onore e alla ospitalità (art.69) e come rivivere quelle tradizioni arbereshe che parlano di ghitonia e, quindi, di rispetto dell’ospite e del vicinato. Il libro decimo del Kanun inoltre istituisce la Besa che è una parola quasi intraducibile nelle altre lingue ma leggendo l’articolo interessato (122) si ritrova proprio quella tradizione di alcuni paesi arbereshe che intendono la besa come la fedeltà ad un impegno. Se si continua la lettura del codice si nota come negli articoli 103- 104 parlando del concetto di “affretellarsi” o della “parentela spirituale” si ritrova quello che oggi in arbereshe si chiama vellamja ovvero proprio fratellanza e rito di parentela spirituale. Senza poi parlare di tutte quelle esenzioni riservate alla chiesa e agli uomini appartenenti a quel mondo (art.1) o di alcune tasse riferite alla coltivazione delle api (art.53), o manutenzione delle acque del mulino ( art.69 – 70 – 71) , o alla terra coltivata con la scure (art.61) o all’allevamento del pascolo (65)che si ritrovano ad esempio nelle capitolazioni di San Demetrio, Frascineto e Spezzano Albanese da me studiate.
      Sarebbe quindi necessario compiere una attenta mappatura di quei paesi del mezzogiorno d’Italia che ancora oggi sono arbereshe con una analisi sulle tradizioni e origini e poi comprendere quali sono le identità che derivano dal mondo albanese o meglio dal Kanun. Questo potrà servire per cercare di ricostruire una storia del popolo arbereshe che dopo secoli rimane ancora oggi il “popolo senza libri”.
      Non si possono chiudere gli occhi e far finta che nel nostro territorio nazionale nel nostro Stato vivono delle realtà che cercano di rivendicare una loro storia attraverso si una questione di minoranze linguistiche ma anche portando ancora dietro delle origini che sono giuridicamente appartenenti ad un mondo opposto al nostro. L’uomo di diritto non può rimanere inerme davanti alla coscienza storica di un popolo che vuole vedere riconosciute le proprie origini al fine di comprendere il reale legame che vi è tra questi due mondi, Occidente e Oriente, musulmani e cristiani, che sembrano così lontani.
      Tutelare, quindi, per non perdere l’identità e per rispettare quelli che sono i doveri civili di ogni uomo.
      Riconoscere ad ogni essere il proprio posto nel mondo perché come diceva Kant   nell’opera Per la pace perpetua, “…gli esseri umani non possono disperdersi isolandosi all’infinito, ma devono da ultimo rassegnarsi a incontrarsi e coesistere” per poi condividere doveri e diritti. E solo attraverso la legge questa condivisione può avvenire nel rispetto delle tradizioni, origini e identità personali.
      Riscrivere o meglio scrivere la storia del popolo arbereshe non più pensando unicamente al loro insediamento locale , nel Meridione d’Italia, ma accompagnando questo dato storico ad un dato giuridico. Il Kanun.
 

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pubblicato il 16 ottobre 2009

La politica? Una metafora e un arcipelago.

Una politica senza cultura è uno sguardo senza anima.

 di Pierfranco Bruni

 Può sussistere una politica senza una etica? Andiamo verso un tempo della politica il cui senso va verso la dismisura di ciò che una volta si usava chiamare valori. Valori, ideali, identità. Quali sono i punti di riferimento che attraversa il nostro tempo? Anche i processi economici possono essere identificati come valori o come ideali ma mai come delle identità anche se si muovono su un tessuto prettamente di “cognizione” concreta.

      Ci sono domande che non hanno risposte e risposte che si consumano senza alcun ragionamento. Ma la politica deve necessariamente uscir fuori dalla foresta degli slogan perché proprio attraverso la politica si dà “cittadinanza” alle idee, ovvero ad una filosofia delle idee. E queste non sono soltanto elementi nella dimensione dell’etica ma vivono nei riferimenti dell’estetica. La politica deve poter avere una sua estetica proprio attraverso quella cultura che si fa coraggio delle sfide.

      Il concetto di cittadinanza, oggi, è una sfida non solo in termini di geografia dell’accoglienza ma anche della spiritualità dell’estetica. Se la politica recupera questo sentiero sul piano della visione della dialettica, dell’umanesimo del confronto, delle tesi di una Europa e un Mediterraneo dentro l’idea dell’inclusione delle culture il rapporto tra la centralità dell’uomo, dei popoli e dello sviluppo articolato può definirsi proprio nell’estetica della cittadinanza come valore prioritario.

      La letteratura, in questo caso, offre delle metafore interpretative abbastanza chiarificatrici. Nel 1861 Fëdor Michajlovič Dostoevskij pubblicava “Umiliati e offesi”. Un romanzo che resta come pietra miliare nel tracciato esistenziale che segnerà i processi storici di generazioni che si confronteranno con le culture dell’Europa, delle Russie e con quelle del Mediterraneo. Ed è un romanzo che presenta una capacità culturale straordinaria nella visualizzazione di un passaggio epocale qual è quello dell’Europa ottocentesca che si affaccerà ad una Europa delle lingue sommerse e delle politiche sommerse.

      Era l’anno in cui l’Italia praticava la riunificazione degli Stati interni per dar vita ad uno Stato unitario, pur attraverso delle politiche articolate nella misura delle rotture tra quello che è stato il Regno di Napoli e le esuberanze austro – ungariche.     

      Non si tratta di un romanzo politico ma di un romanzo per la politica.

      Oggi si presenta di grande attualità perché pone una riflessione proprio su due concetti chiave che serpeggiano nei modelli della contemporaneità. Non si è soltanto umiliati. Si è anche offesi. E non lo si è per una depressione esistenziale che noi singoli possiamo vivere e le generazioni possono attraversare. Ma lo si è per una improvvisazione della politica che si smuove nelle strutture della società. I personaggi sono comparse e la “misura” dostojevskijana lacera un tessuto che era ricco di valori e che oggi è diventato indecifrabile.

      Come è possibile che uno scrittore russo, del secolo passato, possa diventare un punto di riferimento per le nostre inconcludenze che vivono nei processi della decadenza di una Europa, che ha smesso di essere riferimento. E questa Europa ha smesso di essere riferimento perché non ha saputo guardare al Mediterraneo attraverso la consapevolezza della tolleranza.

      La politica non è più tolleranza. Non lo è nei grandi temi della pacificazione o della articolazione delle economie delle Nazioni. Non lo è neppure quando ci si trova a vivere nella mediocrità di una “provincia” che ritiene  che il confronto non sia necessario perché si vince se si è intolleranti e gridaioli.

      Ebbene, ormai siamo tutti dentro il deserto, che può essere quello dei Tartari, o quello della Libia di Italo Balbo, o quello dei predicatori cristiani o musulmani che viaggiano tra le sabbie dei Mediterranei sommersi. E restiamo nel deserto umiliati e offesi. Ma siamo anche consapevoli che il Palazzo prima o poi crollerà nella sfera di metafore inconfutabili che solo la letteratura può annunciare e decifrare. Quel Palazzo non pasoliniano, reale, ma quello di don Fabrizio dei Gattopardi.

      Si sentono assediati i Tartari e sono arrivati sino a Donnafugata ma lì ci si scontra e ci si divide, appunto, tra gattopardi e iene. Si può restare sia umiliati che offesi ma sempre con la testa alta.

      La letteratura non è finzione. Ha la capacità di diventare destino. E Dostoevskij lo aveva ben capito. Proprio per questo qualche anno dopo scriverà quei ricordi (o memorie) del sottosuolo. Bisognerebbe conoscere e leggere di più la letteratura. Perché solo così resterebbe comprensibile il kafkiano risvolto politico nel quale ci troviamo a vivere. Perché solo così l concetto dell’intellettuale contro di Leonardo Sciascia oggi potrebbe avere un senso.

      Kafka, già. Lo scrittore che ha parlato del “processo” e della “metamorfosi” e si è incontrato con quel Musil che non smette di recitare “l’uomo senza qualità”. Non perdiamo di vista l’immaginario di questi due scrittori. Ci tornerà utile. Lo scrittore è un annunciatore dei tempi che verranno. Bisognerebbe saper leggere tra le pieghe degli scrittori per catturare il gioco dell’imprevisto e del perverso che si agita nel presente. Non perdiamo di vista il “ragionamento” di Leonardo Sciascia e il tentativo di impegno che cercò di innescare nella società italiana dagli anni Sessanta alla fine degli anni Ottanta. Un profeta della modernità nella contemporaneità.

      Come abitare la politica senza la cultura? Non siamo farisei e tanto meno giudei. Ma siamo ben dentro la nostra contemporaneità e il “vizio assurdo” è una proposta di lettura che ci spinge verso realtà altre. Cosa è la verità? Cristo guardò Pilato, ma Pilato continua ancora ad interrogarsi.

      Nel 1969 Dostoevskij  pubblicava “L’idiota”. È il romanzo dei nostri giorni. Forse il meno politico e il più degno per la non cultura della politica. Ma anche il più consono per una politica che se non accetta la sfida delle culture entra inevitabilmente nel gioco dei “delitti e castighi”. Ironia a parte. Metafore incluse.

      La cultura è dentro la vita sotterranea dei destini. E le memorie restano sottosuoli. Perché questo incastrare la letteratura a meta giudizi sulla politica? Perché sono convinto che dentro ogni romanzo e dentro ogni scrittore ci sono ferite o pieghe che ci permettono di interpretare quel fondo di chiarezza che è stato espresso da Aristotele e sul quale oggi bisognerebbe riflettere. Ma ogni scrittore ha come principio il valore della cittadinanza non solo come modello di una eredità greco – romana ma come rappresentazione di una contemporaneità.

      Abbiamo bisogno, sostanzialmente, di sconfiggere le solitudini che aggrediscono il nostro essere e il nostro tempo e queste solitudini, che sono manifestazioni che si presentano costantemente nel quotidiano, si mostrano nel battito delle ansie e delle paure che agitano la vita di ognuno di noi e la prospettiva delle storie generazionali.

      Siamo ormai in bilico o ci raffiguriamo come abitanti di un labirinto. In bilico perché ondeggiamo lungo la corda di un perduto equilibrio. Nel labirinto perché non siamo ancora riusciti a intravedere un bagliore di luce che potrebbe portarci oltre. Ci resta il rischio e il coraggio della sfida. Avremo la forza di rischiare e di anteporre ogni scelta individuale al resto? Ma certo tutto ruota intorno ad una metafora.

      La stessa politica, con i suoi radicamenti, si mostra come una eterna metafora se l’uso stesso del termine lo si riporta però ad una visione dell’estetica filosofica. Ciò che non è metafora può passare sotto la voce di arcipelago. Ma mai di isola. L’isola appartiene al simbolo omerico – ulissistico ed entreremmo così nel campo del mito. Tutto può essere, la politica, tranne che un mito.

      Allora resta la visione dell’arcipelago. Forse in astratto. Ma è ciò che definiamo astratto che offre al contenitore un’anima. Cosa ci salverà? Diceva ancora Dostoevskij che “La bellezza salverà il mondo” in quel suo romanzo “L’idiota” ma sosteneva anche che “E’ difficile giudicare la bellezza;non vi sono ancora preparato: la bellezza è un enigma”.

      Siamo distanti da ciò o forse neppure siamo preparati ad affrontare ciò. Aspettiamo che l’alba precipiti nel mare e che il tramonto finisca dietro i monti. Il resto si vedrà. Ma se non siamo noi a cominciare da questo “resta” ogni fatica sarà stata inutile ed è inutile continuare a lamentarsi.

      Dobbiamo rischiare. E dobbiamo fare in modo che l’oblìo non ci appartenga più. Una politica senza cultura è uno sguardo senza anima. Diamo un senso a questo orizzonte. O diamo un orizzonte al senso che vorremmo vivere o al senso che vorremmo che ci fosse dentro di noi e non solo, dentro questo tempo che ci appartiene.

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pubblicato il 28 settembre 2009

L'Arbëria come patrimonio culturale

e "Viaggio in Arbëria" di Margherita Celestino

Guida attraverso gli itinerari turistico culturali dei paesi arbëreshë d’Italia.

di Pierfranco Bruni

Il dibattito recente intorno ai processi etnici diventa sempre più importante e si arricchisce di nuovi significati sia istituzionali che di apertura politico – cultu­rale. Si discute se considerare le minoranze linguistiche storiche delle vere e pro­prie minoranze o delle "presenze minoritarie". Un esempio emblematico resta la storia del territorio dell'Arbëria. L'Arbëria, in realtà, è il territorio dove vivo­no le comunità Italo – Albanesi.

Il libro di Margherita Celestino è un ottimo con­tributo per entrare in un territorio ma anche in una idea di cultura dell'Arbëria.

L'Arbëria non è solo un tessuto territoriale o una geografia dentro la quale si misurano i limiti di una realtà storica e culturale. L'Arbëria non circoscri­ve più confini e neppure definisce luoghi o eredità o addirittura appartenenze. E neppure definisce soltanto comunità all'interno di una dimensione naziona­le. Ormai il concetto di Arbéria è molto più esteso e si incentra anche in una visione in cui storia, letteratura, tradizione, rito sono interazioni in una dimen­sione di una cultura che diventa sempre più immateriale. Un'intuizione della Celestino che si raccoglie leggendo il testo.

Eppure l' Arbëria insiste come territorio. C'è un territorio reale che è quel­lo dell'asse geografico che racchiude le comunità italo – albanesi ma c'è, altresì, un immaginario che spazia in un tempo che è quello di un popolo in fuga verso l'Occidente. Un popolo che ha vissuto la diaspora e continua a vivere (almeno fino a qualche anno fa era più accentuato) di fughe.

Questo popolo albanese, che è stato attraversato dai viaggi della dispera­zione in nome di una difesa di un Oriente che viveva la cristocentricità attra­verso un rito profondamente bizantino, ha trovato nel Regno di Napoli (in quello che è stato il Regno di Napoli) un modello di civiltà che ha saputo ben accettare e accogliere sia le istanze culturali che le emergenze storiche (tran­ne alcuni casi particolari che richiamano ad una intolleranza da parte del mondo ecclesiastico di allora).

La dimensione geografica dell'Arbëria, appunto, è dentro la storia di un Regno di Napoli sempre più proteso ad un incontro tra i Paesi dell'Occidente e quelli dell'Oriente, grazie ad una lettura articolata di un Mediterraneo che resta costantemente una cerniera tra le culture.

Su quattro elementi di base si rappresenta l'Arbëria e si consolida come fenomeno identitario: la lingua (che resta il dato centrale perché una comuni­tà che ha perso la sua koinè è soggetta ad una costante distrazione identitaria e non ha possibilità di tramandare quei segni e quei simboli che solo la parola può sottolineare e trasmettere), il rito (quindi la religiosità), la tradizione (i fenomeni legati ad elementi propriamente antropologici), l'arte e la letteratu­ra (che costituiscono un unico percorso: almeno dovremmo poterlo leggere come un percorso di integrazione tra l'immagine e l'oralità). Sono direttrici che troviamo nel viaggio che compie l'autrice di questo testo.

In fondo l' Arbëria è costituita dalle comunità che abitano proprio quel ter­ritorio che ha come riferimento una dichiarazione di civiltà. Mi riferisco alla costante grecità mai venuta meno in un collegamento tra il Regno di Napoli e i Paesi frontalieri nel versante Adriatico.

L'Albania è l'Adriatico che entra nel Mediterraneo. O meglio: è l'Oriente, con la sua storia musulmana, con la presenza islamica (che non vuol dire anti­cristianità) che penetra lo spirito occidentale e cristiano. L'Albania è real­mente il Paese delle contraddizioni. Ma non sempre le contraddizioni sono da ritenersi negative. Sono nella consapevolezza di una maturità in cui la cultu­ra si definisce come prioritario messaggio di un incontro.

L' Arbëria oggi si presenta con delle manifestazioni che non possono esse­re eluse da uno sguardo attento. Da una parte c'è la sicurezza di una integra­zione ben consolidata nei secoli (e fortemente voluta da Giorgio Castriota Scanderbeg, vissuto tra il 1405 e 1468) e dall'altra ci sono elementi di eredi­tà che possono essere considerati dei codici di una appartenenza che oggi si lascia leggere sotto un profilo che è soltanto antropologico.

Credo che l'effetto antropologico si dipana come valenza di una tutela di un patrimonio, ma è naturale che questo riferimento prettamente etnico (l'etnia è il portato della memoria di un popolo che resta tale solo se riesce a difendersi come civiltà e quindi come necessità di radici) non può reggersi senza il tra­sporto della lingua. Ma sono due capisaldi di una cultura che insiste in un voca­bolario in cui il sentimento dell'immateriale è fondamentale nonostante che l'effetto antropologico sia da rintracciarsi anche nelle forme dell'oggetto.

Come mantenere viva la testimonianza culturale del territorio che passa sotto il nome di Arbëria? I quattro punti evidenziati (la lingua, il rito, la tradizione, l'arte-letteratura) sono la prospettiva non solo di una appartenenza che resta den­tro l'eredità culturale di un territorio ma costituiscono un modello di tutela.

In virtù di ciò, l'Arbëria, tratteggiata dalla Celestino, è patrimonio non solo culturale ma è da considerarsi come patrimonio di una umanità soprat­tutto in un legame tra Oriente ed Occidente. Ciò premesso, va detto che l’Arbëria è dentro quel dialogo tra cultura latina e storia bizantina. Definendo questi presupposti non solo si tutela la storia ma si valorizza una eredità in quel Regno di Napoli che è, al di là delle metafore, sempre più Mediterraneo.

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pubblicato il 23 settembre 2009

L’archeologia e il legame con l’etno – antropologia

Un dibattito attuale nel concetto moderno di bene culturale

Nella logica istituzionale del MiBAC

 di Pierfranco Bruni*

Il Ministero per i Beni e le Attività Culturali già da qualche anno ha aperto delle interessanti finestre sulla storia delle minoranze linguistiche storiche presenti in Italia. Un aspetto interessante che si articola ormai su tutti i campi della programmazione e delle attività dei Beni culturali.

Sulla linea delle nuove indicazioni che si è dato il ministero, nel campo della promozione, valorizzazione e fruizione, il rapporto tra archeologia, antropologia e problematiche culturali legati all’editoria, alla diffusione di modelli di ricerca e di proposte (dai Musei alle Biblioteche) sul territorio, mi sembra un dato fondante.

Il campo di azione dei beni culturali diventa sempre più articolato. Si opera ad intreccio tra i vari “saperi” che sono presenti nella geografia delle culture territoriali ma anche tra i “saperi” istituzionali. È su questi tasselli che lavoriamo nelle diverse commissioni in sede ministeriale. Gli input dati con il Codice dei beni culturali (sul quale ho lavorato pubblicando un recente libro) permettono, anche in fase organizzativa, una funzione moderna della cultura o delle culture o meglio delle strategia culturali del Ministero.

Ha  ragione  il Direttore Generale Mario Resca nel sostenere l’importanza del dato valorizzante che permette di entrare in un discorso di economia della cultura vera e propria (un discorso che riprenderemo in altra occasione) soprattutto quando si parla di sistemi mussali e di valorizzare le culture grazie alle innovazioni e alle strategie valorizzanti. 

Nell’ambito del rapporto archeologia – antropologia – etnologia conoscere e approfondire la storia delle presenze minoritarie può giocare un ruolo importante. I territori vivono la loro identità reinventandola, ovvero ricostruendola tassello per tassello grazie a dei processi di scavo proprio all’interno dei tessuti territoriali, che offrono sempre una chiave di lettura fondamentale per definire sia la realtà dei luoghi sia una geografia, che pongono in essere due elementi fondanti: l’etnologia e l’archeologia.

Entrambi sono modelli  che offrono chiavi di lettura sia sul piano scientifico (in termini di selezione e di riselezione del materiale) sia su quello culturalmente più articolato che tocca le sfere e gli elementi modulari di una antropologia del radicamento.

È chiaro che quando si parla di etno archeologia si va nel di dentro di quel senso storico, epidermico, che coinvolge le eredità di un popolo all’interno di una identità di civiltà.

Popolo e tradizione costituiscono un profilo singolare che si manifesta grazie ad una griglia simbolica che è data non dalla percezione soltanto ma dal contatto diretto con i materiali recuperati o con quelli con i quali si è costantemente a contatto.

Ormai il concetto di antropologia non si regge da solo perché, grazie alle varie sperimentazioni scientifiche sul campo, necessita di un confronto a tutto tondo con le altre scienze. Ecco perché il legame del concetto di ethnos si consolida con quello di storia di archeologia, di geografia. 

La vasta dimensione del dato geografico sul territorio incamera lo sviluppo di un pensare all’antropologia come profonda ramificazione all’interno dei sostrati culturali che vive o ha vissuto un intero complesso territoriale. I legami che l’antropologia sviluppa all’interno dei suoi processi si solidificano con un vivere la storia sia come cronaca di un evento accaduto sia come memoria sia come metodologia che è in grado di congiungere la modalità degli archetipi nell’insieme tra simboli e riti.

In questo contesto parlare di etnie, delle quali mi occupo da alcuni anni, significa anche scendere in quell’humus che tiene insieme il valore dell’etno - archeologia stessa con quella etno – storia su un versante in cui la conoscenza dei reperti ( o del reperto in se) depositati dai popoli che hanno abitato un determinato territorio risultano come l’esperienza contaminante  di una eredità che si trasporta nel tempo.

Sia l’etno – archeologia che l’etno – storia non possono fare i conti, appunto, con il tempo. Ma il tempo stesso è la misura del rapporto tra popoli e civiltà. L’antropologia deve fare costantemente i conti con ciò che l’antropologia offre ma è anche vero che l’archeologia, in pari misura, non può essere più letta soltanto definendo la circoscrizione del proprio campo ma ha bisogno di una pedagogia vera e propria che è data dalla lettura antropologica.

Ecco perché il territorio oggi viene ad essere studiato analiticamente ma anche percepito grazie a due finestre che sono rappresentate, appunto, dai simboli e dai riti. Indagare sugli insediamenti significa creare una rete di indagine tra l’archeologia e la storia attraverso quel fattore significativo che viene da una visione complessiva del paesaggio. Così studiare i popoli nomadi attraverso il materiale depositato sul territorio ci porta ad una osservazione chiaramente di natura geo – archeologica le cui strutture del pensare  partecipano  con le strutture materiali.

L’archeologia è sempre una eredità che affiora da quel territorio che è stato che è partecipazione frequente alla storia e le tracce diventano tracciati in un intrecciarsi di fenomeni puramente etno– grafici.

In virtù di ciò si ripropone l’importanza della validità delle etnie in uno studio in cui capire la presenza di una civiltà di un popolo su un determinato territori significa in modo prioritario non dover prescindere da  quella griglia mitico – archetipale che è la vera chiave di comprensione dell’intero contesto di cui ci si occupa.

Ma parlare di etnie vuol dire anche riconsiderare complessivamente sia l’archeologia in sé sia l’antropologia sia la storia e direi anche, perché non bisognerebbe escluderla, quella linguistica,  che è fatta da codici simbolici veri e propri, che manifestano una derivazione prioritaria che ci permette di catturare il senso e l’orizzonte dei popoli che hanno testimoniato una civiltà.

Le etnie in fondo sono l’espressione più vera di un mosaico di posizionamenti e di strutture mentali che sanciscono la liberazione di quel nodo di Gordio  insiste ancora nello scibile e che dovrebbe essere risolto in quei nuovi saperi che l’etno – archeologia deve porre come confutazione di un dato recepito sul territorio.  Sostanzialmente bisogna porre al centro, come in questo caso specifico, il valore intrinseco ed estrinseco, dei legami che la cultura delle etnie sottolinea nei rapporti con le altre componenti che permettono un vero e proprio rapporto. Un museo nazionale dedicato alla storia delle minoranze linguistiche, in virtù di questo mio dire e dell’incarico che svolgo all’interno del MiBAC, sarebbe una proposta da vagliare con molta attenzione.

Il dato essenziale, comunque, è che studiare le etnie  ci impone una riflessione in un passaggio emblematico che va dalla protostoria alla storia  e quindi scava nella coscienza dei tre riferimenti, spesso qui citati, che sono le eredità, i popoli , il territorio. Un parlarsi per definirsi e per definire le diverse identità espresse dalle culture etno - antropologiche. Un discorso che va sostenuto e ricontestualizzato nella logica di un bene culturale non solo da tutelare ma da valorizzare e far fruire. I territori vanno fruiti. La fruizione però è data chiaramente dalla conoscenza.

 * Responsabile Progetto Minoranze Linguistiche del Ministero per i Beni e le Attività Culturali

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pubblicato il 20 settembre 2009

Kuscë nzuer silicheth

di Atanasio Pizzi*

Eminenti studiosi asseriscono che: la memoria dei luoghi è radicata nelle menti di chi per ovvi motivi li ha dovuti lasciare, mentre coloro che rimangono ne perdono i riferimenti vivendo le mutazioni inconsapevolmente con lo scorrere del tempo.

L’argomento su cui vorrei porre l’attenzione sono le nuove pavimentazioni, con cui sono stati ricoperti i più reconditi angoli dei centri Italo-Albanesi di Calabria citra, utilizzati in modo indiscriminato materiali alloctoni.

Va ricordato che i centri storici delle comunità Arbëreshe fanno comunque parte dell'edilizia storica che pur se influenzata dalle regole edilizie del sud Italia si distingue nel sistema aggregativo del modulo tipo il catoio; inconsapevolmente aggrediti nella morfologia e nel rapporto tra costruito ed

ambiente naturale, vanno sempre più abbandonando l’aspetto tipico che li caratterizzava.

Il risultato……. un freddo e asettico scenario ove non si colgono più gli aspetti che definivano gli spazi aggregativi che hanno fatto crescere e formare intere generazioni di arbëreshe.

Viaggiatori del secolo scorso descrivono i centri parzialmente lastricati: ricostruzioni grafiche, realizzate dallo scrivente, sono state utili a dedurre che in prevalenza venivano protette quelle strade o spazi ove la vorticosità delle acque meteoriche, erodeva le superfici se lasciate senza una adeguata protezione, inoltre, i selciati in pietra avevano la funzione di portare a valle nei periodi di pioggia, tutto quello che con metodo vi veniva depositato.

Lastricati in declivio associati a comode gradinate in pietre di cava o di fiume, venivano adagiate su cuscinetti di terreno vegetale misto a sabbia e ben livellate tra loro mediante la percussione di pesanti mazze, coprendo così le superfici esposte all’erosione.

L’avventurarsi nella riconfigurazione planimetrica, a mio avviso, senza un’adeguata analisi storica ha prodotto errate valutazioni nella compilazione progettuale architettonica.

Le piazzette, "sheshi", le strade "udeth", i vicoli "ruga", la ideale divisione dei paesi: la superiore "Drelarti", quella inferiore "Drehjimi", assieme alle regole dell’approvvigionamento idrico, legate da specifici significati economici, storici, sociali e religiosi, hanno da sempre avuto precisa collocazione nel vissuto quotidiano degli arbëreshe; ridurre tutto in un unicum di colori e di materiali significa appiattire le identità di quegli spazi conservati da generazioni.

L’espressione progettuale rappresentativa delle tradizioni arbereshe, potrà emergere solo da un’adeguata conoscenza storica delle genti e dei luoghi, cosi facendo, potranno essere distinti dal viaggiatore errante e riconosciuti da chi per ovvi motivi, ritornando nei luoghi di origine li riconosca.

L’auspicio è quello di sensibilizzare i vertici istituzionali locali, affinché appropriati interventi di recupero ridiano dignità a quegli spazi, per consegnarle alle nuove generazioni in modo che siano anche per loro il bagaglio storico-culturale che è giunto a noi sino a pochi decenni addietro.

* Architetto arbëresh

Foto: Archivio Pizzi

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pubblicato il 5 settembre 2009

Il 4 settembre di 20 anni fa moriva Georges Simenon

di Marilena Cavallo

Il 4 settembre del  1989 (venti anni fa) moriva Georges Simenon. Se c'è un elemento fortemente esistenziale che ha caratterizzato i personaggi di Georges Simenon (dalle opere dedicate al commissario Maigret ai romanzi che condensano un respiro più ampiamente problematico) è certamente la solitudine. Una solitudine che ha sempre offerto una chiave di lettura tutta intrisa di quella malinconia cara ai chansonnier.

      Georges Simenon. Uno scrittore che ha saputo trasmettere le vibrazioni della vita nelle sue diverse sfaccettature: dalla cronaca al sublime. Ebbene sì, ogni suo racconto (ovvero ogni suo raccontare) ha una "leggerezza" epidermica. Il linguaggio ha la pazienza e i toni dei tiepidi autunni o delle albe affogate nella nebbia. Un linguaggio nella pacatezza delle descrizioni e in uno scenario che invita alla meditazione.

      Maigret, un personaggio da romanzo? Una letteratura che aveva un sapore ricco di significati umani. Una letteratura, in fondo, che univa la storia dei personaggi con quelle avventure che raccontavano periferie, quartieri lacerati, città in bianco e nero. Quei racconti sono rimasti come riferimento non solo dal punto di vista letterario e culturale ma soprattutto dal punto di vista cinematografico o televisivo.

      Ma Simenon non è solo Maigret. Una scrittura limpida. Direi scattante, avvolgente, misteriosa, gaudiosa. Una scrittura coronata da una costante cadenza malinconica. Non solo Maigret, il nostro commissario con quel Gino Cerci dal panciotto bonario e dalla pipa che invogliava ad una serenità e ad una pazienza patriarcale. Non solo Maigret con quel passo felpato sotto le note di "un giorno dopo l'altro la vita se ne va" che ci riporta, tra l'altro, la struggente musica di un Luigi Tenco che ha accompagnato le avventure di questo disincantato commissario. Ma Simenon è lo scrittore di "Lettera al mio giudice", di "Lettera a mia madre" di "L'uomo che guardava passare i treni".

      Maigret è un personaggio che resta nell'immaginario popolare e non si cancella soprattutto nella cultura di alcune generazioni che hanno amato il poliziesco, il giallo, l'avventura senza mai smarrire il cuore dell'uomo. In ogni criminale, in ogni omicida, in ogni assassino, in ogni ladro c'è sempre un briciolo di umanità che andrebbe salvaguardata. L'uomo Maigret andava alla ricerca di questa mollica di umanità. Forse anche questo era una lezione impartita dal commissario e dallo scrittore.

      Enigmatico e kafkiano, a volte, il romanzo di Simenon. Oltre Maigret. I personaggi ridisegnano la loro quotidianità anzi si ridisegnano nella quotidianità. Un piccolo spaccato da "L'uomo che guardava passare i treni" del 1938: Popinga continuava a camminare. Quei vagabondaggi per le strade, alla luce dei negozi, in mezzo alla folla che gli passava accanto ignara, erano quasi tutta la sua vita. E le mani, nelle tasche del cappotto, carezzavano meccanicamente lo spazzolino da denti, il pennello e il rasoio". 

      Oltre Maigret, dunque. Si pensi a "Le finestre di fronte" scritto nel 1932. Riferendosi anche a questo romanzo Goffredo Parise scrisse: "Ha un predecessore… profetico: Franz Kafka… Simenon con pochi tratti, come un grande pittore… costruisce scene costumi e nomi e personaggi che paiono coperti dalla cipria bianca della pittura surrealista e metafisica. La sua semplice chiara prosa di umile scrittore di gialli è percorsa dal vento dei Balcani, evoca, con la sola parola Mar Nero, un mare nero, descrive gli uomini a due dimensioni: una di faccia e l'altra di profilo. Ma il profilo è una lama sottile di rasoio geometrico". Delle pennellate che lo hanno reso sempre sorprendente e mai banale. Così come in tutte le inchieste di Maigret ma soprattutto negli "altri" romanzi che lo hanno definito nella storia della letteratura del nostro secolo.

      Era nato a Liegi (Belgio) il 12 febbraio del 1903. Muore a Losanna nel 1989. Il primo libro pubblicato con il suo vero nome risale solo al 1929: "Pietr il lettore". E' questo scritto che mette in moto il personaggio Maigret. Nel 1944 - 1946 viene costretto ad un periodo di esilio per le sue simpatie naziste. Si trasferisce negli Stati Uniti. Importante "Tre camere a Manhattan" del 1946. Una vita impiegata intorno alla parola e alla ricerca di quei personaggi che sono nella vita. Senza metafore letterarie perché le metafore sono, appunto, nella vita.

      "Siamo arrivati fin dove abbiamo potuto. Abbiamo fatto tutto quello che potevamo. Abbiamo voluto l'amore nella sua totalità". Si legge in "Lettera al mio giudice". La passione, l'amore, i sentimenti sono percorsi nella vita della letteratura. "…la grandezza di Simenon si rivela intatta anche nell'affrontare il tema della passione d'amore: i deliri della gelosia, l'accanimento del sospetto, l'alcol che intontisce con provvisori oblii, la paura di dover tornare nel deserto della solitudine e dell'abbandono…". E' Giulio Nascimbeni che scrive.

      Tutto un mondo di straordinaria emozione che affascina e che rende quotidiano il personaggio in una storia che racconta frammenti di quotidiano.

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 pubblicato il 22 agosto 2009

Fernanda Pivano

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pubblicato il 20 luglio 2009

La piazza o le piazze tra la solitudine e le nostalgie

in Cesare Pavese

di Pierfranco Bruni

 La poesia di Cesare Pavese è costantemente intagliata all’interno di un paesaggio in cui la voce predominante è caratterizzata dai luoghi. Luoghi come realtà geografica luoghi come elemento fisico ma soprattutto luoghi distribuiti tra i giochi dei ricordi e quindi della memoria e l’indefinibile ricostruzione di una metafora fatta di segni onirici e di costruzioni esistenziali.

      Ma ci sono anche dei luoghi che pur essendo una rappresentazione del reale si definiscono nella cancellazione della realtà stessa per manifestarsi come modello estetico tra l’apparenza dell’immaginario e la fissazione della storicità.

      È proprio questo luogo, ovvero luogo per definizione tra estasi e storia, che ci interessa in modo particolare in virtù del fatto che Pavese non è mai uno scrittore realista ma la sua scrittura delinea un essere dell’immagine e un essere del linguaggio completamente fuori dagli schemi di una didattica del neorealismo. Probabilmente uno scrittore dello sguardo. Questo sì. E i luoghi in virtù di ciò sono comunque sempre un disegno ben ricamato nella costruzione della metafora. Ma quali sono questi luoghi in Pavese?

      Il mare e le Langhe sono luoghi ben definiti o meglio si potrebbe dire l’acqua e la terra. La città e il paese costituiscono la penetrazione dell’inconscio tra l’essere della solitudine e lo spazio dell’inconoscibile. E poi la campagna che lega la solitudine al mito e il mito in Pavese si spiega sempre attraverso una griglia simbolica. Un luogo che ritorna spesso, non solo nella poesia ma anche negli altri scritti, è il concetto di strada.

      La strada in Pavese è l’allegoria dell’andare del non fermarsi mai o meglio del percorso o meglio ancora dell’osservare o ancora del guardare cosa accade nella strada cosa accade al di fuori della casa. La strada come attraversamento ed è la strada che conduce alla piazza. C’è da dire che non sono molte le poesia in cui compare la piazza ma è un luogo di una presenza sia fisica che interiore.

      Certamente tra i versi dedicati alla piazza campeggia la dannunziana poesia dal titolo “Passerò per Piazza di Spagna” datata 28 marzo 1950 ed è parte integrante della raccolta “Verrà la morte e avrà i tuoi occhi” pubblicata postuma. È una poesia che fa parte dell’ultimo mazzo dei versi pavesiani e l’intreccio tra lo strascinamento esistenziale e la fotografia  è ben integrato. Ma anche qui in questa poesia dedicata alla piazza non mancano le strade. Per ben quattro volte è citato il termine strada, anzi tre volte al plurale e uno al singolare. Si conferma quello che si diceva prima: le strade buttano nella piazza e le strade fanno la piazza in Pavese.

      Una visione chiaramente geografica-antropologica (si pensi a “Abbozzo di Paesaggio” del marzo 1936 dove si legge: “Sulla piazza la gente non può litigare,/ma s’accolgono tutti con capre e maiali/contro i muri. Da un muro di cinta scrostato/s’erge saldo l’ammasso fiorito di un albero”, oppure a “Jazz melanconico-” del giugno 1929: “Il giardino profondo, sulla piazza,/di oscurità e freschezza”) che penetra il tessuto altamente lirico di Pavese. Anche il titolo diventa un attraversamento. Non si parla della Piazza di Spagna in se ma del passare per Piazza di Spagna ovvero quel “passerò”  non sta ad indicare una forma statica bensì dinamica. Pavese non si ferma in Piazza di Spagna. Qui entra in gioco la componente lirico esistenziale e la dinamicità in questo caso specifico segna ancore di più l’inquieto esistere, l’inquieto essere, l’inquieto uomo-luogo di Pavese.

      Pavese è l’uomo-luogo per eccellenza. È una delle poesie più belle dell’intero corpus pavesiano e risente come già si sottolineava l’influenza marcata del Dannunzio alcionico e del Dannunzio che recita la chimera. Il Dannunzio aulico ma questo non è né un difetto né un vizio è invece la dimostrazione che il Novecento Italiano non potrà mai fare a meno di Dannunzio.

      Dannunzio nella poesia italiana non è un’ombra, è la certezza del rinnovamento ed è quindi linguaggio nuovo nel solco della contemporaneità. Ebbene in Pavese e in questa poesia in particolare la piazza diventa il luogo dentro i luoghi. Si ascoltano i primi cinque versi :

   Sarò un cielo chiaro.

   S’apriranno le strade

   sul colle di pini e di pietra.

   Il tumulto delle strade

   non muterà quell’aria ferma.

      Il paesaggio dunque non è una rappresentazione figurativa soltanto perché la spinta onirica è abbastanza avvertibile in una cesellatura dove il mosaico che emerge è siglato dalla contestualizzazione della natura. Il cielo, il colle , la pietra. E poi compaiono le strade. Nelle strade c’è tumulto ma questo tumulto non cambierà l’aria-atmosfera che rimane ferma perché la piazza ancora una volta diviene il contenitore dei luoghi e delle sfumature paesaggistiche. Paesaggio che si vede e paesaggio interiore del poeta sono una dichiarazione dell’esistere e dell’essere.

      L’onirico aulismo dannunziano continua così :

   I fiori, spruzzati

  di colori alle fontane,

  occhieggeranno come donne

  divertite. Le scale

  le terrazze le rondini

 canteranno nel sole.

 S’aprirà quella strada,

 le pietre canteranno,

 il cuore batterà sussultando

 come l’acqua nelle fontane –

 sarà questa voce

 che salirà le tue scale.

      La frequentazione della musicalità porta Pavese ad un felice ascolto della ripetizione non solo della ritmicità ma delle parole che diventano in questo caso parole chiave. Non troviamo soltanto una nuova ripetizione del termine strada ma ricompare anche  il termine pietre e poi si ripete il verbo aprire, prima coniugato nella terza persona plurale nel tempo futuro ora, lasciando il tempo, nella terza persona singolare.

       La metafora più incisiva sembra quella proposta nel verso “le pietre canteranno”. Nel terzo verso la pietra era abbinata al colle quindi in una forma bloccata nell’immaginario in questa fase successiva la pietra acquista voce e il tutto ancora una volta all’interno della piazza.  Nei versi finali che andremo a citare la pietra avrà un suo odore. Così :

 Le finestre sapranno

 l’odore della pietra e dell’aria

 mattutina. S’aprirà una porta.

 Il tumulto delle strade

 sarà il tumulto del cuore

 nella luce smarrita.

      Si insiste con il lirismo ripetitivo e con l’uso dei vocaboli già menzionati. Se all’inizio “il tumulto delle strade” non concedeva mutazione in quest’ultimi versi c’è una abbinata tra strade e cuore. Le intermittenze proustiane del cuore in Pavese si chiariscono come tumulto e il tumulto delle strade penetrerà il tumulto del cuore e in questo caso si comprende come quella luce o quell’aria che era ferma risulta smarrita.   

      Qui si intaglia la figura della donna pur avendola già citata all’interno della poesia. Qui assume propriamente il tu. L’ultimo verso recita :

 Sarai tu – ferma e chiara.

      Ecco, dunque, il passaggio pavesiano per Piazza di Spagna che diventa una metafora fondante perché Pavese si serve della piazza per dipanare quel nodo che è il suo essere in bilico tra la vita e la morte. Così non è in una poesia precedente dal titolo “Lavorare stanca” dell’omonima raccolta .

      La poesia in questione, ovvero “Lavorare stanca” risale al 1934 e si nota immediatamente un incastro tra la strada e la piazza. Si parla ancora una volta di un attraversamento e non di un fermarsi. Si conferma, quindi, che la strada e la piazza non sono luoghi della staticità perché, come dice Pavese, per andare via di casa bisogna che si attraversino le strade come in questo verso che è l’incipit della poesia in questione :

 Traversare una strada per scappare di casa…

      E in questo caso le strade e le piazze sono vuote o peggio ancora deserte. C’è un insistere di questa immagine :

  Non è certo attendendo nella piazza deserta

 ancora :

  Nella notte la piazza ritorna deserta

oppure :

  Non è giusto restare sulla piazza deserta

      E prima ancora  si parla di piazza che sono vuote. Ma questa solitudine che si vive nella piazza è legata chiaramente all’attesa. Nonostante che la piazza sia deserta si resta in attesa. Ma per sconfiggere questa solitudine c’è bisogno di girare per le strade. Il tema della solitudine in pavese è ricorrente e per sconfiggerla, come ci dice anche in questa poesia, c’è bisogno della donna. Il deserto della piazza  può essere debellato cercando  “quella donna per strada”, ci dice Pavese, che “ci sarà certamente”.

      Solitudine-donna-strada-piazza. È su queste coordinate che il luogo-uomo Pavese offre una chiave di lettura che sulla da una diretta partecipazione realista per raccogliere i risultati di una antica metafora che si spiega nel mito-rito-simbolo. Ed è forse qui che si gioca la partita del luogo-piazza che in Pavese viene ad essere assorbito con un vero e proprio archetipo.

      La piazza deserta non è ancora la piazza che aulisce di matrice dannunziana ma attraversadola, come più volte è stato detto, ci fa sentire le strade che si aprono in una luce che si smarrisce come si è potuto notare in “Passerò per Piazza di Spagna” . Non si avverte, comunque, in queste due poesie alcun segno tangibile che possa rimandarci ad una visione di natura popolare pur essendo presente nell’interezza dell’opera pavesiana.

      Il fattore antropologico ha una sua valenza soprattutto nella poesia “Lavorare stanca” ma è l’antropologia che recepisce il senso di solitudine che campeggia. Così il luogo- piazza non resta il luogo-natura-paesaggio (come anche in “Gente non convinta” dell’estate 1933 dove si legge: “Questa pioggia che cade per piazze e per strade…”) ma è il luogo-esistenza perché nella piazza vivendo il tumulto, come ci dice Pavese, si cattura il tempo  e la dissolvenza del tempo lungo il tracciato di un destino che vive nel viaggio della vita. Ed essendo un attraversamento per Pavese non può che essere un viaggio in attesa.

      L’attesa per Pavese è oltre ogni realismo. E la piazza resta sempre attesa. L’attesa che si registra in “Città in campagna” del 1933 nella quale si legge: “Le vie fresche di mezza mattina eran piene di portici/e di gente. Gridavano in piazza. Girava il gelato/bianco e rosa: pareva le nuvole sode nel cielo”. Oppure l’attesa che si fa risveglio e cerca di rivelarsi alla piazza: “Donne fosche spalancano imposte alla piazza”. Si tratta di un verso di “Tolleranza” del dicembre 1935. E tutto si vive nello spazio della piazza: “È laggiù che quest’oggi sarà il calore/l’osteria la veglia le voci roche/la fatica. Sarà sulla piazza aperta./Ci saranno quegli occhi che scuotono il sangue”.

      Il suono e il “calore”  della “piazza aperta” si ascoltano lungo i corridoi di un ricordare che riporta echi. Ma anche luci Così in questi versi del “Carrettiere” del dicembre del 1939. ci sono le luci altrove. Quelle luci de “Il ritorno-” del marzo del 1929: “Tante tante persone – quante luci/accendono le piazze - /tante figure lente lente lente/ci han calpestato l’anima”. Ma la piazza aperta è un richiamo “della grande piazza” che si ascolta nei versi del 1927 che preparano i versi di  Lavorare stanca.

      La piazza e le strade non sono un ossimoro ma un intercalare di una continuità di quella tensione esistenziale dentro la geografia della propria anima. Sono le “piazze e le strade” de “L’estate di San Martino” del dicembre 1932 o la solitudine che accomuna strade e piazze: “Nelle strade deserte come piazze, s’accumula un grave silenzio”, da “Poetica”, datata settembre 1935 – 1936.

      La piazza non solo come rievocazione, non solo come cultura della comunicazione e della partecipazione, non solo come consapevolezza della solitudine ma come elemento della dissolvenza della retorica. Pavese vive dentro di sé la metafora della vita e in questa metafora la piazza diventa ethnos.

      Un consolidare lo spazio (in una allegoria che richiama lo “spiazzo”) con il vivere il tempo dentro un luogo. L’essere è il luogo della condivisione. Una vita alla ricerca della condivisione. Forse anche oltre le metafora che imprigionano il quotidiano e diventano mito.

      La piazza nel mito. È così presente la grecità in Pavese tanto che la piazza – spazio è una vera e propria incisione nel cammeo del rito – mito. L’antica agorà è in Pavese.

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Il calabrese Geppo Tedeschi e il Futurismo

Un poeta “necessario” nella tradizione della innovazione

   di Pierfranco Bruni

Il Futurismo di Geppo Tedeschi è interamente attraversato da una diversità di aspetti che andrebbero sezionati in veri e propri momenti, ma ciò che interessa è l’anima con la quale il canto, il grido, il segno vengono coniugati sulla pagina. Non va dimenticato che la sua ricerca è un andare nel profondo. Oggi si caratterizza grazie a un paesaggio epocale che fa storia, che dà volto all’immagine di una civiltà per la quale l’uomo costituisce l’età dell’essere.

Ascoltiamo da Il Golfo di Spezia: “Onde più onde / fermatevi un poco / per ascoltare com’Ave Maria / la nostra futurista poesia! nemica a tutto fiato / dei baluardi, a muffa, / del passato. / poi tornerete a navigare / tra sole tempesta e risacca / per le strade / de l’acqua”. O un passaggio da Idrovolanti in siesta sul Golfo di Napoli (ed è qui una delle caratteristiche essenziali): “Dibattito progresso commozione d’idrovolanti in siesta sulle precise ore 2 del pomeriggio NO Nooo rombano i motori al tavolo da lavoro così non si può concepire il grande Poema GOLFO DI NAPOLI Conviene urge dirigere l’ascesa verso i 2000. Allora solo allora pizzicando 100 grossi motivi di bomba balistite pirite — MARCIA TRIONFALE AIDA si può benissimo decantare questo golfo legionario MEDAGLIA AL VALORE artista futurista fregolismo con la tuba di CASTEL DELL’OVO”.

Questo è soltanto l’inizio (per ragioni di stile lo riportiamo nella sua forma originale) e ci fa capire il gusto e la personalità di Geppo Tedeschi. Il binomio che maggiormente viene fuori è appunto parola-immagine. La parola (siamo in pieno futurismo) si serve dell’immagine. Diviene libera. L’immagine gioca a sua volta con la parola. Le immagini hanno una loro figurazione che si concentra tutta nel dettato poetico che è nella voce del verso.

Ma il poema continua con il gesto della parola e si offre con queste battute che in un certo qual modo spiegano la risposta futurista di Tedeschi: “SCATTANO I MAGNETI Trebbiamo trebbieremo trebbiare con le nostre scintille stella viola rosa minio la foschia notte tempesta. Siamo la luce eterna degli EROI La lampada votivo dello sventa-gliato paesaggio mediterraneo declamante strade ascensione progresso commercio precisano L’ELICHE. Scagliamo frantumiamo glorifichiamo il sorriso operoso tipico napoletanismo chitarra a trentasei corde per le serenate a POSILLIPO. C’innalziamo c’innalzeremo SEMPRE in meandri inesplicabili. Vita morte cielo mare. Così ogni giorno così ogni ora COSI SIA”.

Quale valore può avere questo paesaggio di versi? Abbiamo parlato di gioco. Non si tratta, comunque, di un gioco tout court. È un gioco di Costruzioni, ma è soprattutto un incasellamento di idee. E le idee si fanno parola, si fanno gusto e assumono i risvolti della grandezza.

Nell’Aeropoema citato vi sono i tratti dell’originalità. Una originalità che ci porta a scoprire versanti significativi. Così si esprime Marinetti: “L’originalità degli aeroporti sorella della originalità degli aeropittori aeroscultori aeromusicisti aeroarchitetti, ci porta all’infinitamente grande ed allo stratosferico mentre la poesia dei tecnicismi di altri futurismi non meno ispirati ci porta nell’infinitamente piccolo della biochimia dei commerci e delle metamorfosi industriali di un canneto mutato in seta e di un latte mutato in vestito”. Un segnale preciso che ci indica in che modo Geppo Tedeschi si rivolgeva alla cultura di una stagione fervida di interessi e di attività. Il suo poema dedicato (ne abbiamo già citato un passaggio) a Il Golfo di Spezia resta in questo senso una testimonianza emblematica.

Tedeschi raccoglie la sfida lanciata appunto da Marinetti a tutti i poeti d’Italia. Questo poema è stato declamato, insieme ad altri, il 3 e 4 ottobre del 1933, nel Teatro Civico della Spezia. Tedeschi aveva accolto la sfida di Marinetti, il quale si era espresso in questi termini: “Vi sfido tutti a battermi, se lo potete, il primo ottobre. Il mio Golfo della Spezia nascerà quando mi recherò a settembre nelle sue acque radiose e musicali per nuotare e poetare insieme”.

La sfida non aveva soltanto un valore letterario e poetico. Aveva una sua indicazione civile. Ed è proprio questa indicazione che ha avuto un immenso riscontro. Da qui il discorso diventa più complesso. Si entra nel vero e proprio viaggio letterario di Geppo Tedeschi. Si entra in quella dimensione che è movimento. E il movimento è trasmissione. Tra il movimento e la trasmissione si instaura quella tensione che è tensione armonica. La tensione armonica e il gesto libero nella poesia di Geppo Tedeschi formano un circuito dove la parola si incontra col dettato poetico. Il gesto è nella parola. La parola compie un gesto. Vi è, dunque, una armonia che si stende lungo un tracciato che ha sostanzialmente un peso dovuto sia al tipo di ricerca che all’individuazione di una identità culturale. E questa identità è una identità futurista. Il gesto è un gesto futurista.

Così la parola nella quale si condensano le attività linguistiche di un’arte e di un gusto che restano testimonianze di un uomo e di un’epoca. Testimonianza ma anche esperienze e con le esperienze la capacità di capire il volto di una civiltà nella quale il tempo e la caduta del tempo costituiscono una delle chiavi interpretative. Ma per capire questa civiltà non occorrono grosse interpretazioni e imponenti pretese. La poesia di Geppo Tedeschi è certamente una poesia che ha ritagliato una cornice all’interno di un contesto frastagliato e complesso. Una cornice importante la quale non può certamente essere trascurata sia in una realtà letteraria italiana che regionale. La letteratura calabrese del Novecento deve tener conto della poesia e della presenza di Geppo Tedeschi. Deve tener conto del Futurismo e della sua evoluzione.

F. T. Marinetti nella Prefazione alla I Edizione di Corto Circuiti (1938) scrive: “L’aeropoesia futurista calabrese di Geppo Tedeschi ha già dato a l’Italia molti versi liberi e parole in libertà che perfezionando i principi di sintesi e di dinamismo in questi CORTI CIRCUITI offrono al lettore intelligente e sensibile splendide originalissime fusioni di valvole, fusioni viola-arancione, cioè bruciate nel tragico della vita virilmente spremuta fino ad esplodere con lo splendore solare delle coste calabre sicule africane”.

E’ una osservazione toccante. Lo è per vari motivi. Sul piano letterario esamina alcuni punti focali e li mette a confronto con il gusto del colore. Sul piano umano fa emergere un dato mai trascurato che è quello dell’appartenenza alla terra calabra. Marinetti ci teneva a sottolineare questo aspetto. In Geppo Tedeschi questi due momenti si fonderanno. Basta ricordare i versi raccolti in Ruralismo calabrese (1942) o addirittura Tempo di aquiloni (1963). In queste due raccolte il colore e l’immagine, la proiezione della memoria e la terra dànno vita ad una esplosione musicale intensa e densa di contorni.

Marinetti nella sua Prefazione prosegue: “Talvolta la sua poesia breve e musicalissima, mi fa pensare a certi suonatori ambulanti di fiera e villaggi amanti di strumenti fonici come i guerrieri medievali erano armati di ferro, ardire crudeltà”. Un gioco di contorni ma anche di scene. Un gioco di vedute ma anche di ansie. Un gioco che conosce molto bene la parola e il senso. Un gioco che non si assenta dall’armonico suono. E ancora Marinetti che afferma: “La sua poesia suona sinteticamente e simultaneamente tutta con piedi, ginocchia, pancia, testa, mani e bocca. Per calamitare cosmicamente anime e corpi primaverili la poesia del Futurista Geppo Tedeschi è talvolta paragonabile all’assieme delle tastiere dei grandi organi delle cattedrali modernizzate che io defluisco, con parola nuova, politastiera…”.

“Lo fiutano e scaccando le vetrate diventano cielo musicale e rumorista nel cruscotto di un aeroplano, questa politastiera d’azzurri”.

Siamo vicini al gesto del rito. Prima si sono citati i “guerrieri medievali” ora si è dentro una “politastiera”. Ma le due cose hanno una comunanza, ed è quella della parola detta come segno di una sacralità. Certo in Geppo Tedeschi questo avvicinamento ad una dimensione del sacro è qualcosa di profondo. Lo si avverte nel respiro della parola. Lo si sente nell’affiato del verso. Lo si constata nel paesaggio del poema. Lo si ascolta nella tensione religiosa dei versi raccolti in Tempo di aquiloni. Qui la poesia dal titolo “Non sappiamo più leggere” è un esempio sicuro.

Così recita: “Non sappiamo più leggere / la parola abbraccio. / Abbiamo smarrito! la via! che Tu ài battuto / concludendo in Croce. / Disarma il nostro cuore / e fai che s’apra! ad ali di colomba. / Signore che inalberi / il giorno, / che apri la notte / che accendi le stelle”. Siamo oltre ad una dichiarazione di poesia futurista. Ma è indubbiamente una tappa di arrivo fondamentale nella quale confluiscono stagioni di ricerca e sentimenti.

Ma il suo futurismo resta legato all’età del poema. Ci riferiamo alla prima edizione (che risale al 1932) del Poema Gli affari del primo porto Mediterraneo di Genova, a Il Golfo di Spezia (prima edizione 1933), a Idrovolanti in siesta sul Golfo di Napoli (si tratta di un Aeropoema del 1937), a Corti circuiti (1938), al Poema “Ala” Parole in libertà Lotta tra la serra e il gomitolo, a Il suonivendolo (la cui prima edizione risale al 1939). Al 1940 risalgono I canti con l’acceleratore dove si avverte una tensione linguistica protesa verso un costante rinnovamento. Ma il Futurismo di Tedeschi (d’altronde tutta la poesia futurista) va verso un continuo sviluppo e si apre a continue riprese di rinnovamento. Ma con Ruralismo calabrese del 1942 (aeropoema futurista) il viaggio ha ulteriori sviluppi sia tematici che linguistici. L’immagine di un ritorno alla terra non conosce soste.

La Calabria è calata, con la sua atmosfera e quindi con i suoi colori, nel tempo delle parole. Malinconia e riprese nostalgiche si agitano all’interno di questa ricerca. Vi è un defluire della parola: “Malinconia amaranto, / venata di prime stelle. / Stelle stelle. / Quante stelle. / Amico vento, / pastore cli fronde, / legnaiuolo di monti e pianure, / tira sassi alle rose, / a primavera, / diavolo della polvere, / viandante brontolone, / ricco di fiabe come un paiuolo, / porta a l’Italia bella, / questo fagotto di baci”. La prima edizione è del 1942. Al 1943 appartiene Rosolacci tra il grano. Qui le voci della natura si intrecciano con la luce e i suoni. Ma il chiarore più vivo è un sentire l’infanzia come “arietta d’autunno”. Al 1951 appartiene Canne d’argento. Allo stesso anno, con prefazione di Giuseppe Lipparini, la raccolta Liriche epigrafi-che. Zufoli sul colle è del 1957. Tempo di aquiloni, già citata, è del 1963. Epigrafe porta la data del 1973. In Tempo di aquiloni il dettato poetico si arricchisce maggiormente di brevi immagini che sostengono un quadro ben robusto. Hanno una limpidità notevole. Il messaggio è tutto proteso in avanti. La memoria, il senso del ricordo, il recupero della perdita hanno un fascino coinvolgente.

La tematica futurista si incontra con altre esigenze esistenziali. Il paese viene presentato attraverso chiaroscuri che hanno una sottile liricità.

Sono molto belli e veri questi spaccati: “Paese, di tufo e di pietre! tutto inciso di giorni! desolati. / Mio povero paese / che aspetti, / rassegnato, / che la pietà del tempo, / ti dirupi”. Oppure: “Crepuscolo d’agosto / sognatore. / Ostia di luna, / scampanio di chiese. / In quest’ora. / Solenne e flautata, / brillano i focolari / al mio paese”. Sembra che il profilo dei versi anni Trenta sia mutato, ma sostanzialmente è mutato soltanto il gioco degli incastri. Le immagini formano una ragnatela su una dimensione che assume sembianze mitiche. Il ricordo, il tempo che fugge, il “crepuscolo” del paese (lo si è già detto) sono cose raccolte in una atmosfera mitica, la quale (è qui il suo futurismo) non ha rivolgimenti verso la nenia del passato ma guarda avanti. Ed è questo proiettarsi in avanti che rende viva e nuova la poesia di Geppo Tedeschi.

La distinzione è nel linguaggio. La poesia non sfugge al linguaggio. In queste poesie è subentrata la consapevolezza degli addii. Si ascolta: “Mi riscaldo alla fiamma / dei ricordi”. “Tramontano le stagioni. / Ognuna con il peso / degli addii. / Ma tu non mi tramonti / dal pensiero, / profilo sotto a mistica / distanza. / Mi sei fuggita, ratta / come l’acqua / e come l’acqua / non sei più tornata”. Fra questi versi c’è una poesia dedicata al padre.

Il titolo è appunto “Padre” che in un certo qual modo emblemizza in questa fase del viaggio e raccoglie tracce e significati di un meditare profondo e travagliato. In Geppo Tedeschi il dato meditativo è sempre un travaglio che cuce ferite lontane. La poe-sia recita: “Ti chiamai ieri, a lungo, / dalla proda. / Mi dissero che i morti, / a mezzogiorno, / ànno il sonno leggero / e trasparente. / Ma l’eco, in fretta, / tornò la voce. / Sulla strada, / abbagliata d’alta luce, / nenie, incomplete, / cantava un carraio. / Giovine e bello / palpitava il grano”.

La poesia di Geppo Tedeschi si presenta attraverso uno sviluppo che tocca diverse stagioni. Dagli anni del Futurismo alla poesia di oggi costituisce un viaggio affascinante. Ma la sua poesia non può essere isolata soltanto a un determinato periodo. Abbraccia un’epoca. La si deve cogliere per quello che riesce ad esprimere nella sua totalità. Certo si possono far prevalere dei momenti particolari invece di altri ma non si possono creare delle esclusioni forzate.

Giuseppe Lipparini nella Prefazione a Liriche epigrafiche osserva: “Futurista era, non tanto per ragioni teoriche quanto per l’impianto spontaneo della sua indole meridionale.

“Gli piacevano le belle immagini ampie ed ariose, amava il paesaggio, per la ricchezza dei colori e per quel senso rioposante di lontananze spezzate. E aspirava soprattutto, alla rara virtù della concentrazione poetica.

“Ma anche nel futurismo non gli riusciva di essere eccessivo o stravagante; c’era sempre in lui, forse per una lontana parentela con gli Elleni della Magna Grecia, un senso della misura che gli faceva da freno”.

Siamo al 1951. Molte esperienze sono state già vissute e consumate. Molte idee hanno trovato un loro sviluppo a sé. E Geppo Tedeschi è già in una stagione poetica nuova.

La sua poesia futurista rimane al centro della sua ricerca. I suoi Poemi segnano il momento più alto in un vantaggio che andrà sempre oltre.

Nel suo Futurismo, nel suo andare fra le parole e le azioni, l’anima della sua terra non va mai smarrita. Anzi compare spesso e spesso viene ricordata anche dai suoi critici. Questo segno di appartenenza alle origini (alla sua terra) avrà delle evoluzioni. Costituirà alla fine (ci riferiamo alle poesie ultime) una vera e propria dimensione poe-tica.

Ma il dato importante è che Geppo Tedeschi va riconsiderato per la complessità della sua opera e della sua ricerca. Va riconsiderato perché è un poeta che conta. E un poeta che merita. Ed è un poeta che apre prospettive nuove ad una meditazione più giusta e più vera sul Novecento letterario italiano e calabrese.

Che dire alla fine? E certo, e lo ripetiamo, che Tedeschi va recuperato, collocato nella storia della letteratura contemporanea. E un rappresentante notevole, e lo abbiamo visto, non solo del Futurismo ma della poesia calabrese. Grazie al suo Futurismo si sono create altre aperture e si possono creare ancora diverse interpretazioni critiche.

Ma il suo Futurismo ci conduce ad approfondire pieghe eterogenee che sono all’interno della letteratura calabrese. Scrittori e poeti, che la critica ufficiale non cita, d’ora in poi non possono restare nel dimenticatoio. Fra questi Giuseppe Troccoli, Costabile Guidi, Beatrice Capizzano Verri, Giuseppe Carrieri. Carrieri, infatti, è un altro personaggio che si è dedicato alla ricerca futurista. Molti suoi scritti, i primi, formano una condensazione di motivi che si aprono a quella tensione armonica che abbiamo riscontrato in Geppo Tedeschi. Certo, il Futurismo in Calabria ha una sua storia. Una sua storia ben radicata fatta di innovazioni e proposte. È vero, come sostiene Nicola Silvi, che “Il destino dell’artista meridionale è proprio quello di innovare”. E innovare vuol dire andare oltre.

Non è più pensabile restare nella cerchia degli ormai noti. Bisogna saper distinguere. E distinguere vuol dire anche scegliere. Ma il dato fondamentale è che occorre riscrivere molte pagine di storta della letteratura. Non ci si può più fidare di critiche anchilosate, stantie e ideologizzate. Ci si chiede se la letteratura calabrese avrà un suo futuro. Lo avrà se si riuscirà a superare lo scoglio del già detto. È stato detto o è stato scritto ciò che faceva più comodo, ma è un grave errore dimenticarsi di ciò che il Futurismo ha rappresentato in una terra lacerata culturalmente come è la Calabria.

Ebbene, Geppo Tedeschi, questo poeta nato nel 1907 a Oppido Mamertina e morto a Roma nel 1993, ha dato alla parola una universalità che è difficile riscontrare in altri poeti contemporanei. Ha cantato e ha parlato della sua terra con un candore e un linguaggio vivo, reale e lirico. Non si è mai smarrito in un racconto sterile. Non si è mai abbandonato ad una denuncia senza senso. La poesia non è mai denuncia. È testimonianza soprattutto.

In Geppo Tedeschi la trasmissione diventa testimonianza, perché la vita è testimonianza, perché vivere è testimoniarsi. E la testimonianza di Geppo Tedeschi è viva in un passato che non si dimentica e in un avvenire cha ha bisogno ancora di un passato che ha luci e colori, gesti e significati. La sua forza è nella traducibilità. I valori della sua poesia hanno àncore antiche che non segnano il passo ma si aprono ad un dialogo costante e lucido con la ricerca poetica contemporanea.

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pubblicato il 9 giugno 2009

Vincenzo Cardarelli.  Un poeta nello stile della nostalgia

a 50 anni dalla morte.

di Pierfranco Bruni

Le nostalgie camminano lungo una vita. Un poeta italiano di cui si celebra il cinquantenario della morte il prossimo 15 giugno, Vincenzo Cardarelli, ha raccontato e recitato le nostalgie oltre Proust e dentro l’alcionico sentire la vita come estasi e bellezza. La nostalgia come stile. La nostalgia come prosa d’arte.

      Nel numero 7 (luglio 1959) della rivista “l’osservatore politico letterario”, dedicato a Vincenzo Cardarelli (1887 – 1959), G. Titta Rosa sottolinea l’importanza dello “stile popolare” e il “gusto dell’arte” che vibrano nella poesia e nella prosa di Cardarelli. La nostalgia del tempo e la malinconia dei paesaggi (i cui luoghi non sono, in Cardarelli, soltanto luoghi geografici, bensì luoghi dell’infanzia, della metafora di una memoria che riporta immagini e sensazioni e questi si trasformano in leggeri ricordi portati a spasso dal vento, da quel vento che ha tocchi di antiche civiltà) sono un viaggio che la poesia compie tra i sentieri incantati dei miti.

      Gli Etruschi (i veri antenati di Cardarelli e della sua terra: Tarquinia), l’Etruria, la civiltà del paese, il ritornare al paese e il simbolizzare il paese come una eredità sono elementi di una poetica i cui temi fondamentali sono tutti giocati sul sentimento del ritorno e sulla allegoria del viaggio. Ma è la nostalgia la componente fondamentale non della sua ricerca (in Cardarelli non si parla di ricerca poetica ma di orizzonte poetico e di tensione lirico – sentimentale – onirico) ma dei suoi segni archetipici. 

      L’amore e il tempo, la partenza e l’attesa, il sogno (che non è il sognare soltanto ma è la “frase” della fantasia e del fantasticare nell’isola della creatività che assorbe il vissuto) e il ricordare sono percorsi di un labirinto dentro il quale la poesia si fa dolore – vita – grazia – magia. I suoi “Prologhi”, i suoi “Viaggi nel tempo”, le sue “Favole della Genesi” e poi quel “Sole a picco” riportano con la poetica del viaggio ciò che Titta Rosa ha chiamato “sapienza antica”.

      Tutto ha il sapore delle radici. Il senso dell’appartenenza alla Patria è un radicamento forte. Perché per Cardarelli radici significa appunto radicamento. La storia che si trasforma in memoria è un altro tassello di questo radicamento in una “passeggiata” tra i simboli che lo catturano. Il tema dell’amicizia e dell’identità è un progetto esistenziale ed etico che si raccoglie tra i segni del mito e del rito (si pensi, a tal proposito, alla poesia intitolata: “Camicia nera” da “Poesie disperse”, anche se il linguaggio e i toni sono aridi e poco lirici ma sul piano letterario e linguistico, al di là del contenuto che resta, è una “prova poetica”).

      E poi le parole hanno una bellezza non tanto solare ma piuttosto lunare. La luna, in Cardarelli, è la metafora della luce che ha toni scuri e nella sua luce c’è l’assorbimento del tempo antelucano, del sole che è stato (“saluto nel sol d’estate/la forza dei giorni più uguali”), dei meriggi (quei meriggi estivi?), dei tramonti (quel penetrare l’autunno e l’ottobre?), delle stagioni che salutano (“Benvenuta estate./Alla tua decisa maturità/m’affido”).

      E il sole è nella luna. La luna come melanconia e strappo del tempo lungo i giorni che sembrano coriandoli appesi alle età del vivere. Ma cosa è la poesia per Cardarelli? In una sua sottolineatura ha cesellato: “La mia lirica (attenti alle pause e

alle distanze) non suppone che sintesi. La luce senza colore, esistenza senza attributo, inni senza interiezioni, impassibilità e lontananza, ordini e non figure, ecco quel che vi posso dare”.

      L’essenza nell’intreccio dell’esistenza del dolore e della consapevolezza. Ma anche della meditazione sul viaggio che si fa tempo e sul tempo che è viaggio. In quel suo riscoprire il senso dell’orizzonte delle origini la parola non è una cronaca ma una metafisica che si aggrappa all’anima e la poesia che non si rappresenta mai è soltanto il “racconto” o la recita lieve della testimonianza di una spiritualità nel paesaggio stesso dell’anima. Un paesaggio in cui la nostalgia è veramente uno stile. Nella parola e in quella cifra della memoria che riconcilia nel desiderio di recitare un destino tra i segni del non dimenticato.

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pubblicato il 2 giugno 2009

NANTAS SALVALAGGIO MI HA RACCONTATO LA TARANTO DELL’ODORE DI MARE

Morto ad 86 anni. Uno scrittore raffinato, un giornalista elegante

di Pierfranco Bruni

 Da Venezia a Taranto. Era il 1998. Taranto festeggiava la “festa” dei libri con un Salone dedicato alla piccola e media editoria nel Sud. Quasi una settimana per discutere di libri, mercato editoriale e letteratura. Un raccordo che stava prendendo piede intorno a un progetto di cultura. Ospite della manifestazione, per parlare di personaggi, di giornalismi e di linguaggi, Nantas Salvalaggio.  Era nato nel 1923 a Venezia. È morto l’altro ieri a Roma. Uno scrittore raffinato e un giornalista elegante, amico, con il quale abbiamo condiviso un sodalizio umano ma anche letterario.

Tra i maestri della bella parola. Un curioso che sapeva leggere tra le pieghe il sorriso e il dolore. Aveva pubblicato, in quei mesi, un libro, da me recensito sulle pagine del “Corriere”, dal titolo “Ricco e parole” e subito dopo un titolo particolare che recita: “Signora dell’acqua. Splendori e infamie della Repubblica di Venezia”. Ma io ero rimasto legato a un romanzo precedente dal quale leggemmo alcuni passi.

Un romanzo che ancora oggi ha uno splendore linguistico intrecciato ad una storia di vita e di metafore: “Passione d’inverno”, che risale al 1995 e che presentammo, insieme a Francesco Grisi, a Caserta. Taranto, ricordo le sue parole, ha l’odore dell’acqua e del vento e mi riporta a qualcosa che ho già dentro di me. Sì, questa Taranto, ho annotato i suoi incisi in un quaderno dalla copertina nera, ha l’umidità dello scirocco adriatico pur essendo un mare greco, mediterraneo,ionico.

Ci fermammo sul ponte di pietra e poi seduti su un muretto a Piazza Castello mi accennò al suo incontro con Marilyn. La vita che si fa romanzo. E nonostante noi cerchiamo di far diventare tutto romanzo, compresi i nostri amori veri, il tempo ci incide la sua memoria. Fu il primo giornalista italiano a intervistare Marylin.

Mi confidò che Marilyn giunse all’appuntamento in ritardo e con un sorriso smagliante e malinconico gli disse: “Sa, non lo faccio apposta ad arrivare tardi. Il guaio è che non so mai cosa mettermi”. Parlammo. Fino a tarda sera. Conosceva già da alcuni anni Nantas. Quello sguardo attento. Quel passo danzante. E ogni qual volta ci siamo incontrati mi ricordò sempre l’odore di brughiera che aveva respirato passeggiando sul lungomare di Taranto. Un odore che non cancellerò, perché sono gli odori, mi disse in una presentazione del mio libro su Carlo Belli a Palazzo delle Esposizioni di Roma, che mi inebriano e mi tuffano in un immaginario in cui non c’è bisogno di fantasia ma di silenzio. A volte abbiamo tanto bisogno di silenzio ma i ricordi diventano fantasmi e hanno voce e ci infastidiscono turbandoci. Sono stato amico di Nantas. È stata la prima persona che ha letto, ancora in bozze, il mio “Canto di Requiem”, il poemetto dedicato a Giovanni Paolo II e i suoi consigli furono importanti. Poi lo recensì su una testata nazionale. Così anche per un mio libro successivo: “Il mare e la conchiglia”.

Il fascino della sua scrittura ha lasciato solchi come cammei. Sono cammei i suoi ultimi romanzi. Mi riferisco a “Un amore a Venezia” del 2003 e “Ho amato Marilyn” del 2006. Storie che si intrecciano a destini. E destini che non smettono di tracciare vissuto e altri destini nelle ore che avanzano dentro la clessidra dell’età.

Cosa raccontare “… quando senti le fantasie venir meno, al principio dell’ultimo giro, allora scopri che il tempo è il più atroce degli inganni. Ma come, la commedia è già finita? Siamo al calar del sipario e ai titoli di coda? Ma se appena ieri…”. È il Salvalaggio di Marilyn. Il giornalista, il direttore di importanti testate, il “costruttore” di importanti riviste, il commentatore vivono dentro lo scrittore.

Lo scrittore che sembra recitare senza inventare. Lo scrittore che vive dentro i tasti della vita attraverso personaggi e amori. Troppo presto per parlare dei suoi libri. Almeno per me. Non posso in questo momento e forse non voglio. Non devo. Nantas è stato un maestro. Con la sua ironia  ha giocato fino in fondo con la vita. Con quella vita che non smette di farsi romanzo quando il romanzo si lega al raccontare le maglie dei destini. Parlando di Taranto Nantas certamente pensava all’acqua della sua Venezia.

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